'El Foso y el Péndulo' (1991) y 'Castle Freak' (1995): el arte perdido de Stuart Gordon y Full Moon

'El Foso y el Péndulo' (1991) y 'Castle Freak' (1995): el arte perdido de Stuart Gordon y Full Moon

Nuevo programa de Par-Impar sobre dos serie B de terror directo a vídeo de los noventa: Castle Freak y El Pozo y el Péndulo, de Stuart Gordon. En esta nueva entrega del podcast de cine Par-Impar en esRadio, Juanma González y Dani Palacios nos sumergen en una sesión doble de auténtico cine de culto y serie B de los años noventa. El programa rinde homenaje al talento del director de culto Stuart Gordon y a la mítica productora Full Moon, capitaneada por Charles Band. A través de un análisis desenfado pero riguroso, los presentadores desmenuzan dos de las obras más singulares y físicas del realizador: El Foso y el Péndulo (1991) y Castle Freak (1995). Ambas películas personifican una época dorada del cine de terror directo a videoclub, donde las limitaciones presupuestarias se suplían con un desbordante ingenio visual y una entrega absoluta por parte de sus actores fetiche. La andadura comienza con El Foso y el Péndulo, una libre adaptación del célebre relato de Edgar Allan Poe que Gordon reformula para adaptarla a su estilo visceral y de terror físico. Ambientada convenientemente en el año 1492, la cinta retrata una visión delirante y lúbrica de la Inquisición española. El gran aliciente de la función es la asombrosa interpretación de Lance Henriksen en el papel de Torquemada, encarnado aquí como un fanático atormentado por sus propias represiones sexuales y delirios de poder. La película baila constantemente entre el terror gótico y un humor negro muy cercano a la parodia, ejemplificado en la hilarante escena del juicio a un esqueleto al que azotan hasta deshacerlo, un momento que los locutores comparan con un sketch de los Monty Python. La producción de este filme cuenta además con curiosidades memorables que enriquecen el anecdotario del programa de esRadio, como el brevísimo pero impagable cameo del legendario actor Oliver Reed interpretando a un enviado del Papa. Según relatan González y Palacios, Gordon le permitió que en sus dos minutos en pantalla se limitara a beber vino real, lo que facilitó enormemente el rodaje. El desenlace de la película, con una bruja que explota tras ingerir pólvora de forma literal, rubrica el tono desenfadado y macabro de una propuesta que, pese a sus costuras de bajo presupuesto, ofrece momentos visualmente potentísimos gracias a la notable dirección artística de la factoría de Charles Band. La segunda parte de este programa doble se traslada a la truculenta atmósfera de Castle Freak (1995), una de las cintas más oscuras y escabrosas de la filmografía de Stuart Gordon. Rodada en el propio castillo medieval que Charles Band poseía en la Umbría italiana, la película está protagonizada por la emblemática pareja del cine fantástico formada por Jeffrey Combs y Barbara Crampton. Aquí encarnan a un matrimonio sumido en una profunda crisis tras una tragedia familiar que hereda la fortaleza, sin sospechar que en sus mazmorras habita un ser deforme y martirizado llamado Giorgio. La crudeza de la propuesta, su sordidez sexual y el dramatismo gótico la convierten en una pieza de culto muy superior a la media de las producciones destinadas al mercado doméstico. Los conductores de Par-Impar analizan pormenorizadamente los elementos de terror físico y psicológico de la película, destacando el trágico trasfondo del monstruo y su perturbadora mutilación genital a manos de su propia madre. Asimismo, especulan con la posibilidad de que directores españoles de renombre dentro del género, como Paco Plaza y Jaume Balagueró, se inspiraran directamente en el aspecto visual de Giorgio para dar forma a la icónica niña Medeiros de la saga cinematográfica Rec. La música del programa concluye con una curiosidad familiar sobre la dinastía Band: la sintonía final corre a cargo de la banda The Calling, cuyo vocalista, Alex Band, es hijo del compositor Richard Band y sobrino del célebre productor de Full Moon.

'La Odisea' (2026) con Javier Negrete: las licencias y polémicas de Nolan

Los cambios del oscarizado director en la epopeya griega indignan a los puristas. Hablamos de este nuevo clásico con el escritor Javier Negrete. En esta nueva entrega del pódcast Par Impar emitida en esRadio, los presentadores Juanma González y Dani Palacios, junto al escritor y especialista Javier Negrete, analizan una muy peculiar adaptación cinematográfica de La Odisea que supuestamente ha dirigido el cineasta Christopher Nolan. Los contertulios destripan esta hipotética superproducción con un tono cargado de humor y crítica, comparando la visión de Nolan con el mito clásico de Homero. La conversación se centra inicialmente en las decisiones técnicas y narrativas de la película, destacando el uso obsesivo del formato IMAX por parte de Nolan. Este sistema, aunque visualmente imponente, dificulta enormemente la filmación de las coreografías de combate en espacios cerrados. Los presentadores comparan este estilo con el de la película Troya, dirigida por Wolfgang Petersen, donde los enfrentamientos entre Brad Pitt y Eric Bana alcanzaron una cota de realismo y espectacularidad difícil de superar. Uno de los temas clave del debate es la representación de la ley de Zeus o la hospitalidad griega (xenia), un elemento sagrado en los poemas homéricos. El invitado Javier Negrete, autor de la novela Odisea editada por HarperCollins, explica cómo en la película de Nolan este concepto se simplifica para convertirlo en una suerte de justificación moral para la matanza final de los pretendientes, adaptándolo al estilo oscuro y denso del director. En cuanto al reparto, destaca la elección de Matt Damon para encarnar a un Ulises que se aleja del héroe astuto clásico para mostrarse como un soldado traumatizado y consumido por la culpa tras la caída de Troya, un enfoque muy en la línea de producciones como Oppenheimer. La actriz Anne Hathaway asume el papel de Penélope, logrando dotar de gran carga dramática a sus escenas frente a un joven Telémaco interpretado por Tom Holland. La película no escatima en licencias creativas y polémicas, como la inclusión del personaje de Sinón, interpretado por Elliot Page, que pertenece en realidad al ciclo troyano de la Eneida de Virgilio. Por su parte, la actriz Zendaya da vida a una Atenea que en esta versión no es una deidad física, sino una representación psicológica de la mala conciencia del protagonista, un recurso muy habitual en la filmografía de Nolan. La mitología fantástica se reinterpreta bajo un prisma de terror y ciencia ficción. El Cíclope es retratado como un gigante mutante con una deformidad ocular vertical, un diseño que combina efectos prácticos con CGI y que recuerda al Grendel de la película Beowulf de Robert Zemeckis. Del mismo modo, la escena de Circe —interpretada por Samantha Morton— se transforma en un pasaje de body horror donde los hombres se convierten en cerdos mediante impactantes efectos físicos. Finalmente, el análisis de la secuencia de las Sirenas y el regreso a Ítaca desvela la maestría de Nolan en el uso del recurso sonoro, ensordeciendo el ambiente para resaltar la música mientras los marineros usan cera en los oídos. Para cerrar la emisión, los presentadores repasan otras adaptaciones populares de la obra, como la comedia O Brother, Where Art Thou? de los hermanos Coen o la mítica versión teatral de El Joglars en los años setenta, concluyendo que esta original propuesta consigue acercar la literatura clásica al gran público.

'Obsession' (2026) y todas las locas teorías sobre Inde Navarrette (incluida la del gato)

Analizamos los rumores más delirantes que circulan en redes sobre el reparto del largometraje de suspense de moda este año. En esta entrega del podcast de cine de esRadio, los presentadores Juanma González y Dani Palacios se adentran en el análisis de una de las películas más comentadas del año, Obsession. Con un presupuesto ajustado de menos de un millón de dólares, esta producción se ha convertido en el gran pelotazo del año, acumulando más de 400 millones en recaudación mundial tras su reciente estreno en streaming en Estados Unidos. La trama sigue a Bear, un joven con escasas habilidades sociales y que arrastra una profunda tristeza en la casa de su recién fallecida abuela. Bear está perdidamente enamorado de su compañera de trabajo, Nikki, y no sabe cómo expresarle su amor. Aconsejado por su amigo Ian de una manera no muy sincera, Bear decide usar un sauce de los deseos para pedir que Nikki se enamore de él. Para sorpresa de todos, el deseo se cumple, desencadenando una espiral donde Nikki, bajo el influjo del conjuro, pasa de ser ella misma a una versión obsesionada y dependiente de Bear. Los locutores analizan las distintas interpretaciones de la película y las teorías que circulan por internet, entre ellas la curiosa teoría del gato y la idea de que Nikki no está poseída por una persona sino por el propio sentimiento de Bear. Asimismo, destacan la riqueza de la cinematografía y los códigos de lenguaje visual inspirados en redes sociales como YouTube y TikTok, además de la excelente banda sonora de Rock Burgwell que aporta una atmósfera de ensoñación al filme. El filme también destaca por su metáfora sobre las relaciones tóxicas y la dependencia emocional, explorando el terror no solo desde lo sobrenatural, sino desde situaciones cotidianas. El podcast concluye recomendando la película, alabando el trabajo de los actores y destacando cómo ha conectado de manera especial con la generación Z, convirtiéndola en una de las sorpresas cinematográficas del año.

'Rain Man' (1988) y el gran secreto que ocultan sus protagonistas

Analizamos la oscarizada road movie de Barry Levinson, la evolución de los personajes y la mítica banda sonora de Hans Zimmer. En este nuevo episodio de nuestro podcast, nos sumergimos de lleno en el análisis de una de las películas más icónicas de finales de los años ochenta: Rain Man, estrenada en 1988 y gran triunfadora en la gala de los Premios Oscar de 1989, donde se alzó con los galardones a mejor película, mejor director para Barry Levinson, mejor guion y mejor actor principal. A lo largo de la conversación, desgranamos el enorme impacto de esta producción, que no solo fue un éxito de crítica, sino también un tremendo taquillazo. Aunque la película suele recordarse principalmente por la llamativa y oscarizada interpretación de Dustin Hoffman, que da vida a Raymond, un autista de alta funcionalidad, reivindicamos con fuerza el papel de Tom Cruise. Su personaje, Charlie Babbitt, es el verdadero motor y corazón de la historia, mostrando una evolución dramática excepcional que sirve de espejo para el espectador. Analizamos la estructura de la película como una road movie emocional en la que los hermanos Babbitt viajan desde la costa este hasta Los Ángeles. Durante este viaje, el personaje de Tom Cruise, inicialmente un joven yuppie, egoísta y obsesionado con el dinero, experimenta un profundo cambio al conectar de manera genuina con su hermano. Este proceso se aborda en el film con una enorme sensibilidad, evitando caer en recursos fáciles o excesivamente sensibleros, un mérito que atribuimos tanto a la dirección de Barry Levinson como a la sólida química entre ambos protagonistas. También comentamos diversos aspectos de la producción y anécdotas de los actores, estableciendo paralelismos entre el trabajo de Tom Cruise en esta obra y otros papeles clave de su carrera, como el de Jerry Maguire o Nacido el Cuatro de Julio. De igual modo, recordamos con humor y nostalgia la banda sonora de la película, a cargo de un joven Hans Zimmer que ya empezaba a consolidar su característico estilo en el Hollywood de la época. Para cerrar, compartimos algunas de nuestras escenas favoritas, como la mítica secuencia en el casino de Las Vegas o el entrañable momento del ascensor junto al personaje de Valeria Golino. Finalmente, nos despedimos con el gran momento musical del film al ritmo del clásico de The Beatles, "I Saw Her Standing There", cantado por los propios protagonistas.

'El Sueño Eterno' (1946) con Martín Torres y la ciudad española que rivalizaría con Los Angeles

Juanma González y Dani Palacios conversan en esRadio sobre la relación de Howard Hawks con Faulkner y la influencia del filme 'El Crack'. En esta nueva entrega de Par Impar, el programa de cine de esRadio, los presentadores Juanma González y Dani Palacios conversan con Martín Torres, médico de urgencias y escritor que presenta la segunda edición de su aclamada novela negra, La Enfermera. Durante la charla sobre la mítica película de cine negro El Sueño Eterno, de Howard Hawks, se analiza cómo el autor ha logrado plasmar su experiencia profesional en un relato trepidante, ambientado en una ciudad que evoca la atmósfera del cine negro clásico: San Sebastián. Los tertulianos comparan la capital guipuzcoana con Los Ángeles por su capacidad para acoger intrigas oscuras bajo una fachada de sofisticación. Martín Torres explica que San Sebastián posee una dualidad idónea para el suspense, ya que combina el glamour de su festival de cine con el ambiente sombrío de sus días lluviosos, siendo la capital de provincia con más jornadas de precipitaciones al año. Esta atmósfera sirve de telón de fondo para La Enfermera, donde el entorno hospitalario de urgencias se convierte en el epicentro de una compleja trama criminal. El autor destaca que la medicina de urgencias aporta un dinamismo y una constante toma de decisiones extremas que encajan a la perfección con el ritmo que exige el thriller contemporáneo. El debate se traslada rápidamente a los grandes referentes del género, prestando especial atención a El Sueño Eterno, la mítica película dirigida por Howard Hawks y basada en la novela de Raymond Chandler. Martín confiesa su admiración por este clásico y destaca la colaboración del Nobel William Faulkner en el guión junto a Leigh Brackett. Entre las anécdotas del rodaje, recuerdan el famoso telegrama que Hawks envió a Chandler preguntándole quién había matado al chófer de la historia, a lo que el novelista respondió que tampoco lo sabía, un claro ejemplo de cómo la atmósfera y el magnetismo de los personajes superan a la propia coherencia de la trama. Otro aspecto de gran interés que se analiza de El Sueño Eterno es la inigualable química entre Humphrey Bogart y Lauren Bacall, cuya relación traspasó la pantalla y dio origen al famoso término Rat Pack, acuñado por la propia Bacall. Los presentadores de esRadio recuerdan cómo el estudio decidió añadir nuevas escenas para aprovechar el tirón publicitario del romance real, lo que dio pie a secuencias tan recordadas como la de los caballos, cargada de dobles sentidos de carácter sexual que lograron sortear la férrea censura de la época. Centrándose en el proceso de escritura de La Enfermera, Martín Torres revela que su prioridad ha sido construir diálogos ágiles y de gran realismo, inspirándose en el habla de la gente joven con la que trabaja a diario en el hospital. Asimismo, el autor confiesa que evita realizar descripciones físicas minuciosas de los personajes o de las localizaciones para estimular la imaginación del lector. Esta técnica permite que cada persona proyecte su propia imagen de los protagonistas, lo que agiliza notablemente la lectura y sumerge al público directamente en la acción. Por último, el programa de esRadio aborda una de las conexiones más fascinantes del cine español con Hollywood, detallando la supuesta influencia de El Crack, la obra maestra de José Luis Garci protagonizada por Alfredo Landa, en el cine de Quentin Tarantino. Los tertulianos rememoran una anécdota según la cual se le preguntó directamente a Tarantino en un festival si había copiado una escena para Pulp Fiction, a lo que el director estadounidense admitió conocer y admirar el filme de Garci. El broche de oro de la emisión lo pone la música de Fleetwood Mac con clásicos como Lies y Everywhere, que ponen ritmo a esta enriquecedora conversación sobre literatura, medicina y celuloide.