Guiones y guionistas

El artículo 677. Cómo escribir historias de gemelos para cine y televisión [https://cursosdeguion.com/677-como-escribir-historias-de-gemelos-para-cine-y-television/] se publicó primero en David Esteban Cubero [https://cursosdeguion.com]. Desde el inicio del cine se han utilizado a los personajes de gemelos para generar comedia y confusiones en las historias. Pero el recurso de los dobles da para mucho más, ya que se pueden explorar temas de identidad y conexión humana. En el pódcast de hoy vamos a analizar cómo escribir historias de gemelos para cine y televisión. En cursosdeguion.com va a comenzar un nuevo reto: Training de personajes [https://cursosdeguion.com/leccion/reto-training-de-personajes-activo/]. [_wp_link_placeholder] Los que se apunten al reto recibirán 7 correos, uno cada día, proponiéndoles ejercicios para desarrollar sus personajes. En cada mail se incluyen ejercicios sugeridos por grandes guionistas que nos ayudarán a profundizar y evolucionar nuestros personajes. El reto comenzará el día 10 de mayo. Por lo que los suscriptores a la plataforma cursosdeguion.com tienen hasta el día 9 de mayo para apuntarse. EJEMPLO DE HISTORIAS DE GEMELOS EN EL CINE Y LA TELEVISIÓN Los gemelos han sido utilizados en películas y series de televisión de diversas maneras, a menudo para crear intriga, explorar la identidad o como un dispositivo narrativo que permite desarrollar tramas complejas. Aquí te pongo algunos ejemplos icónicos: «The Parent Trap» (Juego de Gemelas): En esta película, gemelas separadas al nacer se reencuentran accidentalmente en un campamento y traman un plan para reunir a sus padres divorciados. El uso de gemelos aquí sirve para explorar temas como la familia y la identidad. «The Prestige»: En este thriller de Christopher Nolan, el uso de gemelos es central para el giro argumental de la historia. Los gemelos, que se hacen pasar por una sola persona, exploran temas de sacrificio, obsesión y el precio del engaño en el mundo de la magia. «Friends»: Phoebe y su hermana gemela Ursula proporcionan humor y conflictos a la serie. Aunque no son el centro de la trama principal, su relación destaca cómo los gemelos pueden ser completamente diferentes en personalidad y valores, lo que genera situaciones cómicas y a veces tensas. «Dead Ringers»: En este filme, Jeremy Irons interpreta a gemelos idénticos en el campo de la ginecología, lo que lleva a una exploración perturbadora de la identidad, la intimidad y el deterioro mental. Aquí, los gemelos son usados para profundizar en la psique humana y sus oscuridades. «Orphan Black»: Esta serie de ciencia ficción utiliza clones, que en esencia funcionan como gemelos, para explorar profundamente cuestiones de identidad personal, derechos humanos y bioética. Cada clon tiene su propia vida y personalidad, lo que enriquece la trama con múltiples perspectivas sobre los mismos temas genéticos y morales. EVOLUCIÓN DEL USO DE GEMELOS EN LA NARRATIVA AUDIOVISUAL A LO LARGO DEL TIEMPO INICIOS DEL CINE Y USO DE GEMELOS En los primeros días del cine, el uso de gemelos se limitaba a trucos visuales y artilugios narrativos, aprovechando la sorpresa y la curiosidad del público hacia la semejanza idéntica. Los gemelos se utilizaban principalmente en comedias y cortometrajes mudos, donde las confusas situaciones de intercambio de identidades proporcionaban humor fácil y entretenimiento ligero. Esto reflejaba limitaciones técnicas de la época, donde el cine exploraba más las posibilidades visuales que las profundidades narrativas. DESARROLLO TECNOLÓGICO Y NARRATIVO Con el avance de la tecnología cinematográfica y los efectos especiales, los gemelos comenzaron a utilizarse de manera más creativa en la pantalla. La habilidad para filmar a un mismo actor en roles duales con la ayuda de efectos de pantalla dividida y otras técnicas permitió que los gemelos se integraran en la trama de maneras más complejas. Películas como The Parent Trap en sus versiones de 1961 y 1998 (Juego de gemelas en Hispanoamérica y Tú a Londres y yo a California en España), demostraron cómo los gemelos podían ser centrales en la trama, explorando relaciones familiares y conflictos personales. Estos desarrollos coincidieron con un período de experimentación narrativa en el cine y la televisión, donde las historias de gemelos comenzaron a abordar temas más oscuros y psicológicos. Películas como Dead Ringers (Inseparables) de David Cronenberg exploraron la simbiosis psicológica y la dependencia tóxica entre gemelos, utilizando la relación para indagar en la psique y las obsesiones de los personajes. ERA MODERNA Y DIVERSIDAD TEMÁTICA En la era moderna del cine y la televisión, los gemelos han sido utilizados para una variedad aún mayor de propósitos narrativos y temáticos. Series como Orphan Black, donde los clones funcionan como una variante de los gemelos, utilizan esta premisa para explorar cuestiones de identidad, autonomía y ética en la ciencia. Esto refleja una evolución hacia tramas más complejas y matizadas, donde los gemelos no son solo un truco, sino catalizadores de profundas exploraciones temáticas. TÉCNICAS NARRATIVAS PARA ESCRIBIR HISTORIAS DE GEMELOS  1. INTERCAMBIO DE IDENTIDADES Una técnica clásica es el intercambio de identidades, donde los gemelos intercambian roles para explorar diferentes situaciones o resolver problemas. Esto puede crear situaciones cómicas o dramáticas, dependiendo del contexto y las consecuencias de estos intercambios. Al público le fascina ver cómo se desarrollan estas situaciones, especialmente cuando otros personajes no están al tanto del cambio, lo que puede generar tanto conflictos como resoluciones inesperadas. En términos de desarrollo de personajes y suspense, esta técnica permite explorar las diferencias sutiles en la personalidad de los gemelos, así como su evolución individual. Los gemelos pueden aprender de las experiencias del otro, enfrentándose a desafíos que normalmente no experimentarían. Esto no solo añade profundidad a sus caracteres, sino que también mantiene a los espectadores al borde de sus asientos, preguntándose cuándo y cómo se revelará el intercambio a los otros personajes. 2. CONEXIÓN PSÍQUICA O EMOCIONAL Otra técnica utilizada es la conexión psíquica o emocional entre los gemelos, donde pueden sentir lo que el otro está experimentando o incluso comunicarse telepáticamente. Esta conexión misteriosa añade un elemento sobrenatural o místico a la historia, lo cual es especialmente efectivo en géneros de suspenso o terror. La idea de que los gemelos pueden compartir un lazo más allá de lo físico fascina y atrae al público, explorando temas de unidad y singularidad existencial. Desde el punto de vista narrativo, esta conexión puede ser una poderosa herramienta para crear suspense. Por ejemplo, un gemelo puede percibir el peligro que enfrenta el otro, desencadenando una serie de acciones para salvarlo. Esta anticipación y preocupación compartida por los personajes y los espectadores potencia el impacto emocional de la trama y fortalece la inversión del público en los personajes y sus destinos. 3. CONTRASTE Y CONFLICTO Presentar a los gemelos como opuestos en términos de personalidad o ética puede generar un contraste potente. Utilizar gemelos que representen el bien y el mal, o la moralidad contra la inmoralidad, ofrece una rica veta de conflicto dramático y desarrollo de personajes. Esta técnica explora la naturaleza versus la crianza y los dilemas éticos inherentes al ser humano, proporcionando una profunda introspección y debates morales que resonarán con el público.  Este contraste no solo agrega capas de complejidad a los personajes, sino que también intensifica el suspense al establecer una inevitable confrontación o reconciliación. Los espectadores se ven atrapados en la tensión de esperar el clímax de estas confrontaciones, lo que a menudo conduce a momentos culminantes emocionales y narrativos en la historia. El conflicto interno y externo que experimentan estos gemelos puede ser un motor para la trama, llevando a revelaciones y transformaciones impactantes que mantienen al público enganchado. 4. SIMBOLISMOS Y TEMAS RECURRENTES * Dualidad y opuestos complementarios Los gemelos son frecuentemente utilizados para representar la dualidad de la naturaleza humana, mostrando dos lados de una misma moneda. Esta representación puede ser literal, con un gemelo que encarna el bien y el otro el mal, o más sutil, con diferencias en personalidad y elecciones de vida que reflejan conflictos internos y dilemas morales. Este uso simboliza la lucha eterna entre aspectos contrarios de nuestra psique y la idea de que estas dos mitades pueden ser inseparables y necesarias para formar un todo. * Conexión y separación La conexión profunda que comparten los gemelos, a menudo vista como una unión casi sobrenatural, es un tema recurrente. Esta conexión se muestra no solo en su similitud física, sino también en su vínculo emocional y psíquico, donde un gemelo puede sentir el dolor o las emociones del otro. Este tema resalta la interdependencia humana y el impacto de las relaciones en nuestra vida, sugiriendo que nuestras conexiones más profundas pueden trascender la comprensión racional. Sin embargo, el tema de la separación es igualmente central, explorando el dolor y la pérdida que ocurre cuando esta conexión innata se rompe, ya sea por circunstancias externas o decisiones personales, como vemos en historias como «The Parent Trap». * El Espejo como reflejo Los gemelos a menudo funcionan como espejos literales y figurativos el uno para el otro, proporcionando una forma única de autorreflexión y evolución personal. Esta simbología es utilizada para explorar cómo enfrentamos nuestras propias sombras, miedos y deseos, poniendo a los personajes en situaciones donde deben confrontar o reconciliarse con aspectos de sí mismos que ven reflejados en su gemelo. Este uso puede llevar a un profundo crecimiento personal y a revelaciones significativas dentro de la trama. Series como «Orphan Black» utilizan a los clones (una variante del concepto de gemelos) para explorar estos temas de autoidentidad, con cada clon enfrentando diferentes aspectos de su genética compartida y su individualidad única. 5. DESAFÍOS DE ESCRIBIR PERSONAJES GEMELOS * Diferenciación de personajes Uno de los desafíos más grandes al escribir gemelos es asegurarse de que cada gemelo sea un personaje distinto y único, a pesar de compartir apariencias y, a menudo, entornos similares. Esto puede ser difícil porque la tentación de hacerlos demasiado similares puede llevar a personajes planos y sin desarrollo individual. Los guionistas debemos esforzarnos en crear voces distintas, deseos, motivaciones y reacciones para cada gemelo para evitar la confusión en la audiencia y para enriquecer la narrativa. * Explotación de la relación dinámica Otro desafío es la representación de la dinámica entre los gemelos, que puede ser compleja y llena de matices sutiles. Es fácil caer en clichés o en la idealización de la relación gemelar, presentándola como siempre armoniosa o perpetuamente conflictiva. Capturar la verdadera esencia de la relación, que a menudo incluye tanto profundo amor como rivalidades intensas, exige sensibilidad y atención a los detalles por parte del escritor. La dinámica entre gemelos también debe ser utilizada para avanzar en la trama y no solo como un elemento decorativo. El desafío está en integrar su relación de manera que influya significativamente en la narrativa, ofreciendo giros y conflictos que son posibles gracias a su vínculo especial.  6. OPORTUNIDADES CREATIVAS QUE OFRECEN Exploración de temas de identidad y conexión Escribir sobre gemelos ofrece una extraordinaria oportunidad para explorar temas de identidad y conexión humana. Los gemelos, especialmente los idénticos, plantean preguntas fascinantes sobre qué hace a cada persona única. A través de sus vidas y experiencias compartidas, los escritores pueden indagar en cómo los individuos forman su sentido del yo en relación con otros que son extremadamente similares a ellos. Esto puede llevar a ricas exploraciones filosóficas y emocionales que resonarán profundamente con la audiencia. Además, los gemelos pueden ser usados para examinar la idea de destino versus libre albedrío. Al compartir el mismo conjunto de genes, los gemelos proporcionan un lienzo único para discutir hasta qué punto nuestro entorno y nuestras decisiones forman quiénes somos, en contraste o en concordancia con nuestra programación genética.  * Uso de estructuras narrativas únicas Los gemelos permiten el uso de técnicas narrativas complejas y estructuras de trama únicas. Por ejemplo, los guionistas podemos jugar con la percepción del espectador utilizando la confusión de identidades entre los gemelos para crear giros sorprendentes o revelaciones impactantes. Este tipo de narrativa puede mantener a los espectadores adivinando y aumentar el suspense y el interés en la historia. La relación entre los gemelos también puede ser un vehículo para narrativas no lineales, donde los eventos son contados desde múltiples perspectivas, resaltando cómo cada gemelo ve el mundo de manera diferente. Esto no solo enriquece la trama, sino que también profundiza la caracterización, permitiendo a los espectadores entender mejor las motivaciones y emociones de cada personaje desde varios ángulos. Esta técnica puede hacer que la narrativa sea más dinámica y cautivadora, aumentando El artículo 677. Cómo escribir historias de gemelos para cine y televisión [https://cursosdeguion.com/677-como-escribir-historias-de-gemelos-para-cine-y-television/] se publicó primero en David Esteban Cubero [https://cursosdeguion.com].

El artículo 676. Así vendí mi guion: Little Miss Sunshine [https://cursosdeguion.com/676-asi-vendi-mi-guion-little-miss-sunshine/] se publicó primero en David Esteban Cubero [https://cursosdeguion.com]. Hoy continuamos con la serie de pódcast “Así vendí mi guion”, dedicada a ver cómo se escribieron y vendieron los guiones más famosos. Ya vimos El indomable Will Hunting, Rocky, Juno, Pulp Fiction y Being John Malkovich. Hoy veremos otro clásico cuyo guion ganó el Óscar: Little Miss Sunshine. Y, como venimos haciendo en la serie, nos lo va a contar su propio guionista, Michael Arndt. En la plataforma cursosdeguion.com terminamos el Curso: El arte de la elipsis [https://cursosdeguion.com/curso/curso-sobre-el-arte-de-la-elipsis/]  mostrando cómo funcionan las elipsis en diferentes medios como cine, televisión, teatro, pódcast o redes sociales. Os recuerdo que los suscriptores acceden a la academia de guion más grande del mundo con más de 100 cursos, masterclass, retos… Gracias a los que habéis comprado mi último libro, Del MacGuffin al Cliffhanger [https://amzn.to/3v9xkgD], y sobre todo a los que estáis haciendo valoraciones y comentarios en Amazon, porque me ayudáis mucho a llegar a más gente. ASÍ VENDÍ MI GUION: LITTLE MISS SUNSHINE. POR MICHAEL ARNDT. Después de graduarme en la Universidad de Nueva York, pasé un tiempo como lector de guiones antes de decidirme a escribir los míos propios. Little Miss Sunshine, mi primer guion, acabó siendo un reconocido éxito que me valió varios premios, incluyendo el Óscar al mejor guion original. Cuando comencé a escribir este guion, estaba desempleado. Nunca antes había escrito o dirigido profesionalmente, no tenía créditos ni reconocimientos. Dejé mi trabajo de lector de guiones a propósito, dedicando un año entero a escribir, confiando en que podía hacerlo bien. Sentía que nadie prestaba atención a lo que estaba haciendo, casi como si estuviera susurrándome a mí mismo que podía lograrlo. Antes de Little Miss Sunshine, había intentado escribir otras historias, pero resultaban ser tramas sombrías donde todos morían al final. Nadie parecía interesado en ese tipo de guiones. Así que decidí que mi próximo proyecto tendría un final feliz, pero no uno cualquiera; quería un final espectacular que realmente impactara y funcionara. Al leer muchos guiones de comedia durante mi etapa como lector, me di cuenta de que la mayoría fallaban porque no tenían sustancia. Si la historia no trataba sobre algo significativo, o si solo seguía a un personaje en busca de riqueza o romance sin profundidad, simplemente no funcionaba. Estos guiones podían ser divertidos al principio, pero perdían fuerza y se desmoronaban hacia el final. Yo quería evitar eso con Little Miss Sunshine; deseaba que tuviera un clímax potente y memorable al final. LA IDEA DE LITTLE MISS SUNSHINE La idea se me ocurrió después de ver un fragmento de un concurso de belleza infantil en televisión. Pensé en el drama y la tensión que podría generar una situación donde todo parece que va a terminar terriblemente mal, pero luego se transforma de manera sorprendente y positiva. Imaginé a una niña que, contra todo pronóstico, transforma lo que prometía ser un completo desastre en un triunfo espectacular, dejando a todos asombrados. Así fue como quería que se sintiera el final de la película: como un verdadero momento de felicidad y victoria. Antes de escribir el guion de Little Miss Sunshine, leí en un periódico unas declaraciones de Arnold Schwarzenegger, quien, siendo actor y gobernador de California, dijo en un discurso a un grupo de niños que lo que más desprecia en este mundo son los perdedores. Esa actitud me impactó profundamente por lo errada que me parecía. Decidí que quería satirizar esa visión de la vida, esa obsesión con los ganadores y perdedores que me parece tan destructiva. Confirmé que un concurso de belleza infantil, con toda su competitividad absurda y a menudo cruel, sería el escenario perfecto para explorar y criticar esa mentalidad. En la película, Richard, el padre de la familia, encarna esa filosofía de que en la vida solo importa ganar o perder, ascender o caer, una perspectiva que refleja una obsesión tóxica por el estatus y por impresionar a los demás. Esta idea es un reflejo distorsionado de la cultura competitiva impulsada por la publicidad y los reality shows como «El Aprendiz» y «Survivor», donde solo el ganador obtiene el premio y todos los demás son vistos como perdedores. Desprecio profundamente esa mentalidad y quería desafiarla en mi guion. Contrapuse a Richard con el abuelo, quien representaba valores más auténticos y genuinos, mostrando que no le importaba lo que los demás pensaran y simplemente quería ser él mismo. Estos son los valores que, aunque parecían desvanecerse con la muerte del abuelo, finalmente prevalecen en la historia. Cuando estaba escribiendo el guion, elegí la Volkswagen Combi para el viaje por carretera basándome en mi propia experiencia con ese vehículo. Pensé que era perfecta para un viaje así debido a sus techos altos y los amplios retrovisores, ideales para colocar la cámara y capturar a todos los personajes. Incluí en el guion problemas reales que había experimentado con ese tipo de vehículo durante un viaje en mi niñez, como el embrague roto y la bocina atascada. EL GUION SALE AL MERCADO Escribí el primer borrador en mayo de 2000 y pasé un año reescribiéndolo antes de enviarlo a una amiga, Karen Kusama. Ella lo encontró divertido y lo pasé a mi agente, que comenzó a moverlo. Aunque tardaron mucho en responder, finalmente el guion empezó a generar interés. Trabajé muy, muy duro, viniendo de ser lector y sintiendo que tener un guion terminado era casi una ilusión. Me esforcé enormemente para que el guion se sintiera completo, pero cuando no recibía respuesta alguna, estaba realmente devastado. Simplemente, pensé que lo que estaba tratando de hacer era imposible. Nadie creía que pudieras escribir un guion “spec” y que alguien realmente lo comprara y lo produjera. Parecía que nunca sucedería. Una semana más tarde, recibí una llamada. Alguien había leído mi guion y realmente le había gustado. Mis agentes, sabiamente, me advirtieron que este no era el tipo de guion que se vendería en un fin de semana. No era un gran éxito de taquilla, sino algo que tomaría tiempo para encontrar a la persona adecuada que realmente lo quisiera. Entonces apareció Marc Turtletaub, de Deep River Productions, quien simplemente se enamoró del guion y fue él quien finalmente lo compró en diciembre de 2001 por 250,000 dólares. LA PRODUCCIÓN DE LA PELÍCULA Los productores, Ron Yerxa y Albert Berger, se asociaron con Deep River Productions para buscar directores. Así es como aparecieron Jonathan Dayton y Valerie Faris, que conocieron el guion en 2001. Estos directores se sintieron inmediatamente atraídos por él y sentían que había sido escrito para ellos. Pero los viajes de una producción siempre son complejos, y Focus Features compraron los derechos para hacer la película. Estaban interesados en filmarla en Canadá y centrarla más en el personaje de Richard Hoover. No estuve de acuerdo con esos cambios y fui despedido. Sin embargo, tras un cambio de personal en el estudio, fui recontratado cuando el nuevo guionista abandonó el proyecto. Turtletaub recompró los derechos y el desarrollo de la película para asegurarse de que pudiera ser filmada. El rodaje comenzó en junio de 2005 y duró más de treinta días en Arizona y el sur de California, filmando las escenas en el orden cronológico del guion. Reescribí el final seis semanas antes del debut en Sundance y fue filmado en diciembre de 2005. Años después, me resulta alentador pensar que, casi de manera abstracta, el sistema funcione como debería, permitiendo que un proyecto se levante por sus propios méritos, sea bien realizado por un grupo de gente talentosa y encuentre su público. Esto muestra que, a veces, Hollywood puede ser como la Estrella de la Muerte y tú como Luke Skywalker, logrando lo imposible contra todo pronóstico. El artículo 676. Así vendí mi guion: Little Miss Sunshine [https://cursosdeguion.com/676-asi-vendi-mi-guion-little-miss-sunshine/] se publicó primero en David Esteban Cubero [https://cursosdeguion.com].

El artículo 674. Qué es el Test de Bechdel del cambio climático [https://cursosdeguion.com/674-que-es-el-test-de-bechdel-del-cambio-climatico/] se publicó primero en David Esteban Cubero [https://cursosdeguion.com]. Hace ya siete años expliqué por primera vez en el pódcast qué era el Test de Bechdel [https://cursosdeguion.com/44-aplicar-test-bechdel-guiones/] y cómo podemos aplicarlo a nuestros guiones para reducir la brecha de género. Hoy os traigo una nueva variante del test de Bechdel del cambio climático conocido como Climate Reality Check por si queréis aplicarla en vuestras historias. En cursosdeguion.com, la academia de guion más grande del mundo con más de 100 cursos de guion, esta semana continuamos con una masterclass nueva: “Cómo filmar tu guion” [https://cursosdeguion.com/curso/masterclass-para-guionistas/]. Una segunda masterclass intensiva para introducirse en la realización de cortometrajes low cost. A partir de lo visto en la masterclass anterior, “Cómo planear un rodaje”, vamos a estudiar la división de funciones en un día de filmación y qué etapas se atraviesan al rodar. EL TEST DE BECHDEL DE LA BRECHA DE GÉNERO En el pódcast nº 44, hace siete años, expliqué lo que era el Test de Bechdel, también conocido como test Bechdel-Wallace o the rule: un método para evaluar si un guion de película, serie, cómic u otra representación artística cumple con los estándares mínimos para evitar la brecha de género.  Se originó en el cómic Unas lesbianas de cuidado, obra de Alison Bechdel, pero la invención del test se atribuye a Liz Wallace, una amiga de la autora del cómic. El objetivo era identificar la falta de representación femenina en películas y series de televisión en los que dos mujeres ni siquiera se hablan.  A pesar de ser un test poco exigente, el resultado de aplicarlo a las películas más populares es sorprendente y existen numerosas webs de crítica de cine, proyectos feministas y sitios web que realizan listas de películas conforme a si pasan o no el test. Para pasarlo hay que cumplir estas tres normas: 1. En la película aparecen al menos dos personajes femeninos. Una variante exige que, además, las dos mujeres sean personajes con nombre.  2. Dichos personajes hablan una a la otra en algún momento. Da igual que haya personajes masculinos presentes cuando los personajes femeninos hablan, lo importante es que ellas hablen entre sí en algún momento de la película. 3. Dicha conversación trata de algo distinto a un hombre. Y con un hombre no se refiere solo en el sentido romántico. Los personajes masculinos de los que hablan las mujeres no pueden ser ni sus padres, hijos, hermanos, amigos platónicos, enemigos mortales, pacientes que están tratando de salvar o asesinos que están tratando de atrapar… simplemente no pueden ser hombres. Listado de películas famosas que no lo pasan es incalculable. Te pongo algunas: El Padrino, Toy Story, Shrek, Gladiator, o las películas de El Señor de los Anillos, Harry Potter, Star Wars, Indiana Jones o Piratas del Caribe. EL TEST DE BECHDEL DEL CAMBIO CLIMÁTICO En un artículo [https://www.indiewire.com/news/business/bechdel-test-climate-change-film-good-energy-1234958880/] de Brian Welk en el portal Indiewire he leído que ahora hay un Test de Bechdel del cambio climático en el cine que dice que solo un puñado de las películas nominadas al Óscar de este año reconocen que el cambio climático existe y tienen personajes conscientes de su impacto.  La organización sin fines de lucro Good Energy ha lanzado lo que llama un “Climate Reality Check”, presentando un estudio y sus criterios para una prueba tipo Bechdel que evalúa si algunas películas recientes reconocen la existencia del cambio climático en su texto. Podemos encontrar la información en https://www.theclimaterealitycheck.com/ [https://www.theclimaterealitycheck.com/]  La prueba pretende ser una guía para que los guionistas y profesionales de la industria “interroguen sus propias historias” y vean si Hollywood está representando la sombría realidad del cambio climático en la pantalla.  Y la organización lo llama una revisión de la realidad porque cree que si una película está ambientada en la actualidad, donde el cambio climático es un problema persistente e inminente, al menos debería reconocer esa realidad y “reflejar el mundo tal como es”. Para pasar esta prueba, Good Energy dice que una historia debe demostrar dos cosas: “el cambio climático existe” y “un personaje lo sabe”. * El cambio climático existe: Puedes medir si la crisis climática existe en el mundo de la historia a través de sus impactos y soluciones. Quizás la historia retrata una ola de calor sin precedentes, una noticia sobre el aumento del nivel del mar o un graffiti sobre el cambio climático. * Un personaje lo sabe: La conciencia de un personaje sobre el cambio climático se puede demostrar a través del diálogo, la narración, las acciones o las imágenes visuales. Quizás la narración de un personaje establece el contexto climático, se muestra a un personaje leyendo un artículo de noticias sobre el cambio climático o hay una conversación sobre el clima extremo. No parece un listón tan alto, pero hay algunos matices en términos de lo que se está rastreando. Los investigadores, como parte del estudio, buscaban las frases “cambio climático”, “un clima cambiante”, “la crisis climática”, “calentamiento global”, “un mundo en calentamiento”, “glaciares derritiéndose”, “aumento del mar” u otras frases que pueden sugerir los efectos del cambio climático en el planeta. Ver el mal tiempo por sí solo no fue suficiente, a menos que el personaje reconociera que tales tormentas o calamidades ocurren con mayor frecuencia. En el estudio se puede leer frases como “Cuando las historias borran el cambio climático, parecen cada vez más fuera de contacto con la realidad” o “Cuanto más incluyan las historias el clima, más auténticas y relevantes serán, lo que les permitirá conectarse con el público y su experiencia de estar vivos en la era del cambio climático”. El segundo componente, “un personaje lo sabe”, podría demostrarse a través del diálogo, un informe de noticias visto por el personaje, alguien que asiste a un evento específicamente orientado a tomar medidas o que el personaje está claramente identificado en un rol profesional diseñado para abordar el clima. Incluso en el caso de historias de naturaleza postapocalíptica, dice el estudio, no se debe dar por sentada la conciencia sobre el cambio climático y sus efectos; hay que demostrarlo. El estudio dice que el 75 por ciento de los jóvenes entre 16 y 25 años en 10 países diversos consideran que el futuro es aterrador debido al cambio climático, pero solo el 37 por ciento habla de ello regularmente con familiares o amigos.  La organización cree que tener personajes en la pantalla que lo aborden puede eliminar la ansiedad, la desesperanza y la inacción climáticas. El informe incluso sugiere que la falta de debate sobre el clima en las películas es una estrategia de la industria de los combustibles fósiles para sembrar silencio y escepticismo. “El público quiere historias en pantalla que los reflejen a sí mismos y su realidad, pero informan que no ven personajes que compartan su nivel de preocupación por el cambio climático”, dice el informe.  “CLIMATE REALITY CHECK” EN LOS ÓSCARS DE ESTE AÑO Como parte del estudio, Good Energy junto con investigadores del Colby College analizaron las 31 películas diferentes nominadas al Óscar en 2024. Solo 13 de ellas eran historias contemporáneas ambientadas en el presente o en el futuro cercano, no dramas de época o fantasías de ciencia ficción, que no fueron analizadas. De esas 13, solo tres películas pasaron la prueba y abordaron el cambio climático de alguna forma. Esas películas son Barbie, Misión: Imposible – Dead Reckoning Part 1 y Nyad. En el caso de Barbie, la adolescente Sasha desmantela la visión de Barbie de la realidad diciéndole “estás matando el planeta con tu glorificación del consumismo desenfrenado”, una frase risueña que todavía parece arraigada en el mundo real. Kittridge de Dead Reckoning advierte a Ethan Hunt sobre la “guerra por lo último de nuestra energía menguante, agua potable y aire respirable”. Y en Nyad, Bonnie menciona sin rodeos el calentamiento global como la razón por la que “las medusas surgieron del arrecife poco profundo cuando salimos de Cuba”, lo que más tarde se convierte en un punto clave de la trama en la búsqueda de Diane Nyad para nadar desde Cuba. Es importante señalar que según ellos “El Climate Reality Check no sugiere ni exige que cada historia se centre en el cambio climático, ni prescribe qué tipo de historias deben contar los cineastas. Simplemente, mide si nuestra realidad climática actual se refleja en la pantalla. Cómo se hace esto, amigos, depende de ustedes”. El Climate Reality Check fue creado por Anna Jane Joyner, Carmiel Banasky, Bruno Olmedo Quiroga y Matthew Schneider-Mayerson. Es una herramienta simple, esclarecedora y poderosa que se puede utilizar para evaluar cualquier grupo de narrativas (desde películas y programas de televisión hasta videojuegos y novelas) para determinar su reflejo de nuestra realidad climática.  El artículo 674. Qué es el Test de Bechdel del cambio climático [https://cursosdeguion.com/674-que-es-el-test-de-bechdel-del-cambio-climatico/] se publicó primero en David Esteban Cubero [https://cursosdeguion.com].

El artículo 673. Guionistas protagonistas: Studio 60 [https://cursosdeguion.com/673-guionistas-protagonistas-studio-60/] se publicó primero en David Esteban Cubero [https://cursosdeguion.com]. Continuamos con la serie de pódcast en la que analizo películas o series donde los guionistas son los personajes principales. Hoy hablo de una serie maravillosa creada por Aaron Sorkin en la que Matthew Perry interpreta a un ingenioso guionista: «Studio 60 on the Sunset Strip». En cursosdeguion.com, la academia de guion más grande del mundo, esta semana sacamos una masterclass nueva: “Cómo filmar tu guion” [https://cursosdeguion.com/curso/masterclass-para-guionistas/]. Una segunda masterclass intensiva para introducirse en la realización de cortometrajes low cost. A partir de lo visto en la masterclass anterior, “Cómo planear un rodaje”, vamos a estudiar la división de funciones en un día de filmación y qué etapas se atraviesan al rodar.Guionistas protagonistas: «Studio 60 on the Sunset Strip» «Studio 60 on the Sunset Strip» es una serie de televisión estadounidense creada por Aaron Sorkin, conocido por su trabajo en otras series y películas de gran éxito como «The West Wing» y «The Social Network». La serie se centra en los entresijos de un programa de televisión de comedia y variedades, mostrando tanto los desafíos profesionales como personales a los que se enfrentan sus creadores y el elenco. A pesar de tener críticas excelentes, la serie fue cancelada después de la primera temporada. FICHA * Título original: «Studio 60 on the Sunset Strip» * Año: 2006 * País: Estados Unidos * Creador: Aaron Sorkin * Reparto: Amanda Peet, Matthew Perry, Bradley Whitford, Sarah Paulson, Steven Weber. * Productora: NBC SINOPSIS En el primer episodio de Studio 60 On Sunset Strip, el director del programa enloquece frente a cámaras. No puede soportar que la directiva del canal haya censurado uno de sus sketch por cuestiones políticas; entonces, mirando a la cámara frente a millones de televidentes, realiza una exhaustiva crítica de la televisión actual, tanto de su decadencia moral como de su sumisión ante lo políticamente correcto. Después de que los ejecutivos del canal despidan a su anterior director, Jordan McDeere, apasionada presidenta de la cadena NBS, pide al sarcástico Matt Albie, antiguo jefe de guionistas del programa, y a Danny Tripp, antiguo productor/director del programa, que devuelvan al show sus noches más memorables. Studio 60 es una serie que nos muestra el backstage de un exitoso programa de televisión y las complicadas relaciones de los que se encargan de llevarlo a cabo. * Tráiler de Studio 60 [https://www.youtube.com/watch?v=Nubk_L_QBsY] * Guion de Studio 60 (piloto) [https://cursosdeguion.com/wp-content/uploads/2024/04/studio-60-on-the-sunset-strip-101-pilot-2006.pdf] EL TÍTULO Sunset Strip es un tramo de la famosa Sunset Boulevard en West Hollywood, California. Es conocido por su vibrante vida nocturna, clubes de música, bares, restaurantes de lujo y billboards luminosos. Esta área ha sido históricamente un epicentro de la cultura y la vida nocturna de Los Ángeles, atrayendo a turistas y famosos por igual. Además, Sunset Strip ha jugado un papel significativo en la industria del entretenimiento, con varios estudios de grabación y clubs que han sido el lanzamiento de carreras para numerosos artistas y bandas. La serie «Studio 60 on the Sunset Strip» lleva este nombre porque se centra en los entresijos de un programa de comedia y variedades ficticio (similar a «Saturday Night Live») que se produce en un estudio ubicado en este icónico tramo de Sunset Boulevard. El nombre captura la esencia del glamour y la intensidad de la industria del entretenimiento asociada con la ubicación, mientras que al mismo tiempo se adentra en las complejidades, desafíos y la dinámica detrás de cámaras de la producción televisiva.  La elección del nombre «Studio 60 on the Sunset Strip» refleja no solo la ubicación física de la serie dentro del corazón de Hollywood, sino también evoca el espíritu creativo y a veces tumultuoso de la vida detrás de la pantalla. La serie originalmente iba a llamarse «Studio 7 on the Sunset Strip». Sin embargo, el título tuvo que ser cambiado a «Studio 60» debido a que se descubrió que ya existía un nombre similar para otro proyecto.  EL CONTEXTO El contexto de esta serie gira en torno al mundo detrás de cámaras de un programa de comedia y variedades ficticio que se emite en horario estelar, similar en formato a programas reales como «Saturday Night Live». Se centra en los desafíos, tanto personales como profesionales, que enfrentan los productores, guionistas y el elenco para llevar a cabo cada episodio semanal. A través de sus personajes complejos y diálogos agudos, Sorkin explora temas como la presión de trabajar en la industria del entretenimiento, la integridad creativa versus las demandas comerciales, y las dinámicas de poder dentro de un estudio de televisión. En un nivel más profundo, «Studio 60» aborda cuestiones de censura, el papel de los medios en la sociedad y cómo la política influye en el contenido televisivo. La serie, aunque ficticia, refleja muchos de los desafíos reales que enfrentan los programas de televisión en la vida real, ofreciendo un vistazo a las complicadas decisiones detrás de escena que afectan lo que el público finalmente ve en pantalla.  PERSONAJE: EL GUIONISTA Matt Albie es un antiguo guionista jefe de Studio 60 al que, en el episodio piloto de la serie, se le pide que regrese cuando el productor ejecutivo Wes Mendell es despedido. Junto a Danny Tripp, a Matt le ha ido muy bien, ambos han rodado películas y Matt incluso ha ganado un premio del Sindicato de Guionistas.  Debido a su lealtad a su amigo y a su historia con Studio 60, Matt acepta el puesto. Esto también le pone en una situación incómoda, ya que recientemente ha terminado una relación con la estrella de Studio 60 Harriet Hayes, por la que todavía siente algo. A pesar de su herencia judía, es ateo y tiene inclinaciones políticas liberales, lo que provoca tensiones entre él y Harriet, que es católica practicante.  ¿QUÉ GUIONES ESCRIBE? Matt Albie es el talentoso guionista y showrunner del programa de televisión ficticio «Studio 60». Su trabajo como guionista abarca una amplia gama de estilos, pero se centra principalmente en la comedia y el drama, característicos de un programa late-night al estilo de «Saturday Night Live».  Los guiones de Matt Albie se destacan por su profundidad, ingenio y la habilidad para tratar temas serios con un toque de humor. A través de los episodios, se ve cómo él navega los desafíos de escribir contenido que no solo sea entretenido, sino también significativo y relevante, a menudo enfrentándose a la censura y las limitaciones impuestas por el canal televisivo y las expectativas del público. DEBILIDAD DEL PROTAGONISTA Matt es un personaje complejo, muy ingenioso y un compromiso profundo con su trabajo como guionista y showrunner. Sin embargo, su pasión por el trabajo y su dedicación a mantener la integridad del programa a menudo lo llevan a conflictos con los ejecutivos de la cadena, censura y presiones de audiencia, lo cual puede considerarse una debilidad en el sentido de que estas situaciones afectan su bienestar emocional y sus relaciones personales. Además, Matt lucha con sus propios demonios internos, incluyendo el manejo del estrés y la presión del entorno de trabajo de alta tensión en el que se encuentra. Su vida amorosa y las complicaciones en sus relaciones personales también se presentan como áreas de vulnerabilidad a lo largo de la serie, sobre todo porque su expareja es una de las actrices del programa en el que trabaja. NECESIDAD La necesidad principal de Matt es revitalizar y mantener la calidad y la integridad del programa de televisión «Studio 60». Como guionista y showrunner, su misión es recuperar el prestigio que el show había perdido, enfrentándose a desafíos como la censura, las expectativas de la audiencia y la presión de la cadena de televisión.  Además, busca crear un contenido que no solo sea entretenido, sino también significativo y reflexivo, abordando temas sociales y políticos relevantes mediante el humor y el drama. Esta necesidad se manifiesta en su compromiso con el trabajo, su dedicación a escribir guiones de alta calidad y su determinación para que «Studio 60» se distinga como un programa de vanguardia en la televisión nocturna.  Matt también anhela el éxito profesional y el reconocimiento en un ambiente competitivo, al mismo tiempo que maneja las complicaciones en sus relaciones personales y profesionales, especialmente con su amigo y colaborador Danny Tripp y con su interés amoroso Harriet Hayes. ARCO DE TRANSFORMACIÓN El arco de transformación de Matt se centra en su evolución tanto personal como profesional al frente del programa de televisión ficticio «Studio 60». Al inicio, Matt es presentado como un guionista talentoso y comprometido, ansioso por revivir el programa junto con su mejor amigo y productor ejecutivo, Danny Tripp. A lo largo de la temporada, se enfrenta a numerosos retos, incluyendo la presión de satisfacer las expectativas de la audiencia, lidiar con la censura y equilibrar su vida personal con su carrera. A medida que avanza la serie, Matt se ve obligado a confrontar sus propias inseguridades y fallos, como su tendencia a priorizar el trabajo sobre su bienestar personal y sus relaciones. Su relación con Harriet Hayes, una de las estrellas del programa, y la forma en que maneja conflictos dentro del equipo de producción, proporcionan una ventana a su crecimiento personal. Se esfuerza por mantener sus ideales creativos mientras navega las complejidades de la política del estudio y las demandas del público. Finalmente, el arco de Matt culmina en una comprensión más profunda de lo que significa ser líder, no solo como un creador de contenido, sino como alguien que inspira y cuida a su equipo. Aprende a equilibrar sus ambiciones creativas con las realidades del negocio televisivo, y quizás lo más importante, a valorar las relaciones personales tanto como su pasión por el trabajo. Esta evolución lo lleva a ser un showrunner más compasivo, consciente y equilibrado, reflejando el tema central de la serie de la búsqueda del equilibrio entre la integridad artística y las presiones del entretenimiento mainstream. TEMA A través de la lente del showrunner Matt Albie y el productor ejecutivo Danny Tripp, la serie explora la tensión entre el arte y el comercio, la libertad de expresión versus la censura, y los desafíos de mantener la integridad creativa bajo la presión de las audiencias y las expectativas de la cadena y el público. La serie también aborda temas como la política, el activismo a través de la televisión, las relaciones personales y profesionales dentro del ambiente de trabajo de alta tensión de un programa en vivo, y los efectos personales que estos factores tienen en el elenco y el equipo. Aaron Sorkin, creador de la serie, utiliza «Studio 60» como un medio para comentar sobre la industria del entretenimiento, el papel de los medios de comunicación en la sociedad y cómo estos pueden ser utilizados para influir en la opinión pública y promover el cambio social. APRENDIZAJE PARA GUIONISTAS * Integración de temas sociales y políticos: La serie destaca por su habilidad para entrelazar discusiones sobre política y religión dentro de sus narrativas, demostrando cómo se pueden abordar temas complejos y a menudo divisivos de manera inteligente y reflexiva. * El arte de la narrativa detrás de cámaras: Al centrarse en el backstage de un programa de comedia y variedades, «Studio 60» revela las dinámicas interpersonales, los desafíos y las victorias del proceso creativo, lo que puede inspirar a los guionistas a explorar historias detrás de las historias en sus propios trabajos. * Equilibrio entre drama y comedia: A través de su mezcla de drama con aires de comedia, «Studio 60» enseña la importancia de balancear tonos, un aspecto crítico en la escritura de guiones que puede enriquecer narrativas y personajes. * Desarrollo de personajes complejos: La serie es un ejemplo de cómo desarrollar personajes multidimensionales con arcos de transformación ricos y conflictos internos, algo esencial para cualquier guion que aspire a tener profundidad y resonancia emocional. * La televisión como forma de activismo: «Studio 60» muestra el potencial de la televisión para influir en el debate público y promover el cambio social, animando a los guionistas a considerar el impacto de su trabajo más allá del entretenimiento. EL GUIONISTA DE LA SERIE Aaron Sorkin es un guionista, director y dramaturgo estadounidense muy reconocido por su capacidad para escribir diálogos agudos y su interés en temas políticos y sociales. Es conocido por su trabajo en películas aclamadas y series de televisión como «The West Wing», «The Social Network», y «The Newsroom». Su estilo se caracteriza por el uso de diálogos rápidos, inteligentes y a menudo cargados de significado político o moral. Para crear «Studio 60 on the Sunset Strip», Sorkin se inspiró en su propia experiencia y observaciones de la industria del entretenimiento. Al igual que en sus otras obras, Sorkin utilizó la serie como un medio para comentar sobre la cultura y la política estadounidense, infundiendo la narrativa con su característico ingenio y perspicacia social. «Studio 60» se convierte así en una extensión de su exploración continua de cómo la televisión y, por extensión, los medios de comunicación, pueden influir en la opinión pública y el discurso político. FRASES DE LA PELÍCULA > Wes interrumpe la transmisión en vivo: Esta no va a ser una buena noche para el programa, y creo que deberían cambiar de canal . > > > Wes: Este show solía ser sátira política y social de vanguardia, pero ha sido lobotomizado por una cadena de transmisión cobarde empeñada en no hacer nada que pueda desafiar a su audiencia. > > > Danny sobre Wes: Fue poco profesional, indefendible. ¿Qué piensas que pienso? > > > Matt y Danny discuten sobre volver a «Studio 60»: Vamos a hacerlo. No quiero a nadie más, te quiero a ti . > > > Matt: Mira, odio Los Ángeles como todo el mundo, pero tengo que trabajar aquí porque en cualquier otra parte del país soy inempleable. > > > Harriet a Tom: Cuando empieces a hacer una contribución a este programa, puedes hablar conmigo como quieras. Pero tuviste dos frases esta noche y pisaste una de ellas. Así que hasta que no aceptes a Jesucristo como tu salvador personal o hagas reír a alguien, ¿por qué no vas a beber a otra mesa? El artículo 673. Guionistas protagonistas: Studio 60 [https://cursosdeguion.com/673-guionistas-protagonistas-studio-60/] se publicó primero en David Esteban Cubero [https://cursosdeguion.com].

El artículo 672. Cómo escribir un logline de seis palabras [https://cursosdeguion.com/672-como-escribir-un-logline-de-seis-palabras/] se publicó primero en David Esteban Cubero [https://cursosdeguion.com]. Hoy vengo a hablarte de un concepto que puede ayudarnos a entender y vender nuestras historias: el logline de seis palabras. ¿Para qué reducir nuestra historia en seis palabras? ¿Cómo capturar la esencia de una historia en seis palabras? Hoy veremos en qué consiste este recurso y cómo podemos utilizarlo para vender nuestra historia. Y va a comenzar un nuevo reto para los suscriptores de cursosdeguion.com: Cortos de Óscar [https://cursosdeguion.com/curso/retos-de-escritura/]. [_wp_link_placeholder] Durante este mes, los que se apunten al reto recibirán 10 correos, uno cada día, proponiéndoles ver un cortometraje. Una selección de cortos que han sido nominados o ganadores en los Óscar. En cada mail se incluye la sinopsis, se explica por qué verlo y se da un enlace para verlo. El reto comenzará el día 1 de abril. Por lo que los suscriptores a la plataforma cursosdeguion.com tienen hasta el día 31 de marzo para apuntarse. Muchas gracias a todos los que habéis comprado ya mi nuevo libro “Del MacGuffin al Cliffhanger. 25 recursos narrativos de la caja de herramientas del guionista” [https://amzn.to/3v9xkgD]. Y algunos me habéis dicho que ya habéis descargado las cartas y estáis usándolas para vuestras historias. Genial. Os recuerdo que el bonus del vídeo que te enseña a usarlas solo estará este mes, por lo que si piensas en comprarte el libro aprovecha. Muchas gracias a Angelo por escribir la primera reseña del libro. A los que lo tengan y quieran hacer una reseña, serán bienvenidas porque me ayudan mucho a llegar a más gente. QUÉ ES EL LOGLINE DE SEIS PALABRAS Llegué al concepto de “logline de seis palabras” gracias a un artículo del guionista y profesor de guion Scott Myers en https://gointothestory.blcklst.com/ [https://gointothestory.blcklst.com/]. Scott sugiere una técnica efectiva para enfocar el logline de un guion. Esta regla implica resumir la esencia de una historia en solo seis palabras, lo que no solo ayuda a clarificar el concepto central para el escritor sino que también facilita la comunicación de la idea a otros, como asistentes, productores y equipos de marketing.  El logline de las seis palabras se promueve como una herramienta valiosa tanto para probar la comerciabilidad de una idea como para desarrollar la narrativa, obligando al guionista a destilar su historia a su núcleo más impactante y comunicable. Scott cuenta que escuchó por primera vez este concepto gracias a una broma del productor Max Millimeter en 2012: > “Por eso tengo la regla de las seis palabras. Tienes seis palabras… cuéntalas… una, dos, tres, cuatro, cinco, seis… seis palabras en tu logline para llamar mi atención. Si seis palabras en tu logline no vienen directamente hacia mí, altas y fuertes, y me golpean en el trasero, entonces no estás llamando mi atención. Tienes seis palabras. Seis. Para derribarme. ¿Haces eso? Tienes mi maldita atención.” Un año después, Scott Myers entrevistó al guionista Daniel Kunka, que dijo esto sobre el logline en seis palabras: > “Sé que a la gente no le gusta ese concepto. Como si pensaran que eso disminuye una idea o disminuye lo que haces como guionista, pero nuevamente, este es el juego al que estamos jugando. Si quieres escribir a nivel de estudio, debes poder comunicar grandes ideas en términos simples.  > > > Así es como los guiones spec ascienden en la cadena alimentaria. Si un asistente lee tu guion y le encanta, esa idea de seis palabras hará que sea mucho más fácil para el asistente venderlo a su jefe, y luego para ese productor venderlo al estudio y ese estudio venderlo al de marketing y, con suerte, al marketing para venderlo en un avance de tres minutos a todo el mundo para que la gente venga a ver tu película. > > > Incluso si estás intentando escribir una película con una mentalidad más independiente, ¿cuáles son las seis palabras que hacen que tu película independiente sea diferente de cualquier otra película independiente? No quiero disminuir el arte real de contar tu historia y crear personajes, diálogos, conflictos y emociones memorables, pero también creo que los escritores más jóvenes no necesariamente piensan en el panorama más amplio.” Buceando en internet, he encontrado un popular ejercicio creativo online conocido como historias de seis palabras (https://www.sixwordmemoirs.com). Todos esos esfuerzos por producir uno de los cuentos más breves («ficción flash», como algunos lo describen) están inspirados en un momento de la tradición literaria en el que, según cuenta la leyenda, Ernest Hemingway fue desafiado a escribir una historia de seis palabras y respondió: «Para vender: zapatos de bebé, nunca usados.» EJEMPLOS DE LOGLINE DE SEIS PALABRAS Lo primero, vamos a familiarizarnos con esta técnica viendo algunos ejemplos de loglines de películas famosas en tan solo seis palabras: * En busca del arca perdida – Aventurero arqueólogo lucha nazis, halla arca. * Blade Runner – Cazador androides cuestiona existencia y realidad. * Alien – Terror espacial, tripulación enfrentada xenomorfo letal. * Forrest Gump – Hombre simple vive eventos históricos inesperados. * El club de los poetas muertos: Inspirar jóvenes a través de poesía. * Profesor Holland: Música cambia vida de profesor apasionado. * Los chicos del coro: Música une y transforma vidas difíciles. * La lista de Schindler: Empresario salva judíos durante Holocausto. * El silencio de los inocentes: Joven agente rastrea asesino con psicópata. * Pulp Fiction: Historias entrelazadas en mundo criminal. * Amélie: Joven imaginativa transforma vidas en Montmartre. PASOS PARA CREAR UN LOGLINE DE SEIS PALABRAS EFICIENTE 1. EXTRAE LA ESENCIA Este paso consiste en identificar el núcleo central de tu historia. Piensa en lo que realmente importa y en el mensaje o la trama que quieres que el público recuerde. Esto implica comprender profundamente tu obra para poder destilarla a su más pura expresión. Por ejemplo, para «El Señor de los Anillos», podríamos decir «Hobbit lucha contra mal, salva mundo». 2. ELIGE PALABRAS POTENTES Las palabras seleccionadas deben ser cargadas de significado y emoción. Estas palabras tienen el poder de evocar imágenes vívidas o emociones profundas en muy poco espacio, lo que es crucial en un logline de seis palabras. «Titanic» podría condensarse en «Trágico romance desafía catástrofe náutica histórica». 3. ENFÓCATE EN LA ACCIÓN La acción o el conflicto es el motor de cualquier historia. Este paso se centra en destacar el viaje del protagonista o el conflicto principal de manera concisa. Asegúrate de que las palabras elegidas comuniquen dinamismo y movimiento. Para «Jurassic Park», un ejemplo sería «Parque prehistórico revive, genera caos dinosaurios». 4. INCORPORA ELEMENTOS CLAVE Aquí se trata de incluir personajes principales, escenarios, o el conflicto sin entrar en detalles superfluos. Esta condensación ayuda a que el logline sea informativo y atractivo. En «Coco», podríamos resumirlo como «Niño músico explora ancestros, descubre sueños». 5. PRUEBA Y AJUSTA Este paso involucra experimentar con diferentes combinaciones de palabras y estructuras hasta encontrar la que mejor resuene con la esencia de la historia y atraiga al público. Es un proceso de refinamiento continuo que busca la perfección. Un ejemplo para «Buscando a Nemo» podría ser «Padre pez busca hijo, supera miedos». 6. SIMPLIFICA Elimina cualquier palabra o concepto que no sea esencial para comunicar la idea central de tu historia. Este paso es crucial para asegurar que cada palabra en tu logline tenga un propósito y contribuya al impacto global. Para «Matrix», un logline simplificado sería «Hacker descubre realidad simulada, combate opresores». Si aplicas estos pasos podrás crear un logline que no solo captura la atención, sino que también encapsula la esencia de la historia de manera eficaz y emocionante. El artículo 672. Cómo escribir un logline de seis palabras [https://cursosdeguion.com/672-como-escribir-un-logline-de-seis-palabras/] se publicó primero en David Esteban Cubero [https://cursosdeguion.com].