Guiones y guionistas

El artículo 732. 12 claves de guion de El Eternauta [https://cursosdeguion.com/732-12-claves-de-guion-de-el-eternauta/] se publicó primero en Academia Guiones y guionistas [https://cursosdeguion.com]. Hoy nos sumergimos en una adaptación que no solo recupera una obra mítica del cómic latinoamericano, sino que la reinterpreta para una nueva generación: El Eternauta, la serie de Netflix basada en el clásico de Héctor Germán Oesterheld. ¿Qué decisiones de guion de El Eternauta hicieron posible este viaje entre la fidelidad y la reinvención? Hoy te traigo 12 claves para entender cómo se construyó esta ambiciosa adaptación que transforma la nevada mortal en una metáfora de nuestro presente. Soy David Esteban Cubero y esto es el pódcast Guiones y guionistas. En cursosdeguion.com continuamos subiendo clases del curso de Cómo distribuir un cortometraje [https://cursosdeguion.com/curso/curso-como-distribuir-u-cortometraje/]. Vamos a ver paso a paso cómo conseguir que tu corto llegue a Festivales, plataformas o donde sea necesario, según la estrategia que te marques. En la segunda clase veremos qué estrategia de distribución seguir según el tipo de corto y los intereses del creador. Porque no todos deben seguir el mismo camino. Y anuncio que ya está abierta la inscripción del nuevo Vomit Draft Cortometrajes [https://cursosdeguion.com/vomit-draft-corto/] con el que escribirás un corto en tan solo 3 semanas. Vídeos, PDFs y sobre todo, 3 Sesiones en streaming para ejercicios, preguntas y feedback. Está diseñado para que pases a la acción y escribas tu corto de una vez por todas. Fuera excusas. Comenzamos el miércoles próximo 28 de mayo y en tan solo tres semanas estaremos viendo tu guion de corto y analizándolo en directo. Te dejo la información porque solo hay 15 plazas y ya hay algunas reservadas. Los ganadores del concurso que hice de tres plazas serán informados de ello. Te espero. LA ADAPTACIÓN DE EL GUION DE EL ETERNAUTA 1. LA GEOGRAFÍA COMO IDENTIDAD Filmar El Eternauta íntegramente en Buenos Aires —y en “español porteño” — no fue un capricho nostálgico, sino una cláusula que la familia Oesterheld impuso a Netflix para preservar la raíz cultural del cómic. La decisión convierte a la ciudad en algo más que un decorado: los puentes de la Panamericana, las avenidas vacías y los clubes de barrio son parte activa del conflicto, recordándole al público que la invasión sucede en su propio patio. Para lograrlo, el equipo escaneó decenas de manzanas y, con producción virtual, proyectó esos entornos sobre pantallas LED; así congelaron el Obelisco, Avenida General Paz o el Puente Pueyrredón bajo la nieve tóxica sin perder la textura del empedrado real. Esa apuesta por la identidad local contrasta con la tendencia global a “neutralizar” escenarios para exportar contenidos. Bruno Stagnaro explica que el desafío no era replicar viñetas, sino “congelar” la esencia de la capital bajo una nevada tóxica y, al mismo tiempo, mostrar sus grietas reales —cables pelados, grafitis, veredas rotas— escaneadas en alta resolución y proyectadas en el Volumen LED.  [https://www.latercera.com/culto/noticia/el-eternauta-los-cerebros-tras-la-magia-de-los-efectos-visuales-y-que-viene-en-la-temporada-dos/] 2. ACTUALIZACIÓN TEMPORAL: DEL PASADO AL PRESENTE El cómic se publicaba en 1957, en plena Guerra Fría, y su inspiración provino del auge de la ciencia ficción en los años 50, el miedo a la guerra nuclear y las películas estadounidenses del género, como El día que la Tierra se detuvo y La guerra de los mundos. Trasladar la invasión al ahora permite que la nevada dialogue con la sombra de las pandemias, el colapso climático o la desinformación viral: la paranoia ya no proviene del Soviet, sino del feed y del algoritmo. Stagnaro resume el giro: “Hablar del futuro siempre fue hablar de nuestra historia; hoy el futuro ya nos alcanzó”. Los autores intentaron respetar el espíritu de la obra original de hablar de “su tiempo” guion de El eternatua. Ese presente hiperconectado permite metáforas nuevas: apps de delivery colapsan, celulares dejan de funcionar y con ellos las comunicaciones y las únicas noticias que llegan son boca a boca. El “nosotros” en riesgo deja de ser hipotético, nos puede pasar a cualquiera, como hemos visto recientemente en España con el apagón general durante muchas horas. También permite revalorizar lo antiguo. La frase “Lo viejo funciona, Juan” se ha hecho viral. En un mundo donde la dependencia a la electricidad y la electrónica es total, los aparatos antiguos son los que se pueden utilizar: radio de onda corta, coches con encendido manual. Aparatos que fueron los que se usaron en el cómic original, pero que ahora se han convertido en “vintage”. En el comic, lo viejo funciona porque no depende de circuitos sofisticados, porque su mecánica directa lo vuelve más confiable cuando todo lo moderno falla.  3. LA POLÍTICA SUBTERRÁNEA DEL RELATO Oesterheld usó la ciencia ficción para hablar de ocupación y resistencia en tiempos de censura; la serie hereda esa vena política y la actualiza. Las botas invisibles ya no son solo extraterrestres: también son monopolios mediáticos, software de control poblacional y fuerzas de seguridad que militarizan el espacio público. Lejos de los discursos explícitos de los 70, el guion de El eternauta sugiere que la verdadera guerra es por el relato: quién posee la información y quién decide qué es verdad. Así, los cascarudos y Manos funcionan como capas de poder delegadas, una cadena de mando que desemboca en “Ellos”, alegoría perfecta del poder sin rostro que domina desde las sombras. Y todo esto en la serie se vive como un descubrimiento por parte de los protagonistas y los espectadores poco a poco. 4. JUAN SALVO ENVEJECE Y SUS VÍNCULOS SE REESCRIBEN Una de las decisiones más significativas de la adaptación fue elegir a Ricardo Darín como Juan Salvo. A sus 66 años, el actor exigía una reescritura del personaje. Ya no era el “hombre común” del cómic con 40 años, sino alguien con un pasado denso. Por eso, en la serie, Salvo es un excombatiente de Malvinas. Tiene entrenamiento, culpa, cicatrices nacionales. Los flashbacks del Monte Longdon, los silencios marcados por el trauma, y ciertos sonidos que solo los veteranos reconocen, construyen una nueva densidad emocional. El director explicó que solo cuando inventaron ese backstory al personaje pudieron confirmar que Darín sería el protagonista de la historia. Pero el cambio en el guion de El eternauta no es solo suyo. Elena, la esposa en el cómic, ahora es su exesposa, interpretada por Carla Peterson. De ama de casa pasa a médica voluntaria y estratega logística. Tiene enfado, rabia, contradicciones. Y su hija, que en la historieta era Martita, una niña con poco protagonismo, se convierte en Clara, una joven de unos 20 años. Su desaparición impulsa los dos primeros capítulos. Su búsqueda es el motor emocional de Juan Salvo. Ya no parte como salvador de la humanidad; parte como padre desesperado, lo que vuelve la odisea más íntima y urgente. 5. VOCES FEMENINAS FORTALECIDAS La serie amplía el coro femenino con Elena, Clara y nuevas supervivientes como Inga o Pecas. Cada una aporta una mirada distinta sobre el desastre: desde la medicina de campaña hasta la logística de refugios improvisados, desplazando la narrativa de “héroe masculino” hacia un mosaico coral. Carla Peterson, como Elena, tiene un arco completo de duelo, lucha y liderazgo. Su vínculo con Juan no es nostálgico: es tenso, real, adulto. Inga es venezolana, representando a la inmigración presente en nuestros días, pero su pasado militar le permite el rol de luchar con experiencia. Que el relato de el guion de El eternauta ya no sea solo masculino, responde al ADN del original, donde la resistencia era colectiva, pero poco representaba a las mujeres. Al equilibrar géneros, la adaptación subraya que la supervivencia —y la épica— es tarea de todos, no de un solo tipo de héroe. Clara, por su parte, no es solo una hija perdida, aporta cierta extrañeza en su comportamiento que hace al espectador sospechar. En la última imagen de la primera temporada nos muestran cómo probablemente ha sido tomada mentalmente por los extraterrestres. 6. DEL NARRADOR AL PRESENTE Y EL DOBLE OBJETIVO En el cómic, el Eternauta viajaba en el tiempo y le contaba su historia a Oesterheld. Era una historia dentro de otra. En la serie, ese marco desaparece. No hay narrador. No hay relato retrospectivo. Desde el primer minuto, estamos dentro. La nieve cae, y estamos ahí. Respiramos su miedo. Caminamos a su lado. Este cambio elimina los monólogos expositivos. Todo se cuenta a través de la acción, los diálogos, el silencio. Y para sostener la tensión, los guionistas aplican un recurso moderno: el “doble objetivo”, según el analista David Siegel. En el primer acto, Juan busca a Clara. Ese es su motor. Pero cuando la encuentra, la historia no termina: comienza otra. Ahora debe liderar la resistencia. El conflicto escala. El objetivo íntimo se transforma en uno colectivo. El héroe cambia, y con él, el mundo que lo rodea. La búsqueda familiar es el motor de una guerra mayor. 7. EL ADN DE CLIFFHANGER SERIADO AL STREAMING En Hora Cero, el cómic original se publicaba a razón de tres páginas por semana. Eso exigía un cliffhanger cada pocas viñetas. En la serie, Stagnaro traslada ese ritmo al formato Netflix: mini-cliffhangers cada ocho minutos, y un gran gancho al final de cada episodio que invita al binge-watch. No es una fórmula exacta, pero es un pulso emocional constante. Los giros no buscan solo el suspenso. Cada uno plantea dilemas morales: ¿salvar a un extraño o proteger a tu grupo? ¿Mentir para conservar la calma o decir la verdad y desatar el pánico? Así, el ritmo narrativo conecta con la tradición serial del cómic y, al mismo tiempo, con la lógica del espectador que maratonea episodios en busca de resolución emocional, no solo de acción. 8. LA NEVADA TÓXICA COMO DETONANTE VISUAL Y NARRATIVO La nieve que mata al contacto es, quizá, la imagen más poderosa del Eternauta. Blanca, suave, silenciosa… y letal. Para recrearla, el equipo de producción utilizó polímeros ecológicos, capas de efectos digitales y un diseño sonoro minimalista. El silencio es clave: autos detenidos sin bocina, plazas vacías, el crujido de pasos sobre hielo que no debería estar ahí. Narrativamente, la nieve impone reglas claras: nadie puede salir. Y eso obliga a mirar al otro. ¿Con quién estás encerrado? ¿En quién confías? La introducción inicial de personajes nuevos en la casa, como Omar e Inga, ayuda a generar ese estado de desconfianza. La amenaza exterior vuelve urgente el conflicto interior. La nieve como frontera dramática. Como elemento estético, marca el tono: monocromático, austero, distinto de las distopías neón a las que nos tiene acostumbrados la ciencia ficción más comercial. 9. LA TENSIÓN ENTRE LO ÍNTIMO Y LO ÉPICO Sí, hay tanques, explosiones, monstruos. Pero El Eternauta vuelve una y otra vez al club de barrio, al comedor, al chalé de Villa Urquiza. Las grandes decisiones se toman con una olla de arroz al fuego, mientras un niño con fiebre llora en una esquina. Esa escala humana es lo que hace que todo lo demás importe. La épica nace de lo cotidiano. Cada plano general de una Buenos Aires vacía está anclado en lo emocional: lo que está en juego no es solo la ciudad, sino los vínculos. El guion lo sabe y lo respeta. Por eso, incluso en los momentos más espectaculares, lo que brilla es la humanidad. 10. LOS ENEMIGOS SIN ROSTRO: ALEGORÍA DEL PODER INVISIBLE En la serie, como en el cómic, los enemigos se presentan por capas: primero la nevada, luego los cascarudos, y terminamos con los Manos… aunque los que han leído el cómic saben que por encima de todo están los Ellos. Cada uno revela al siguiente, como una cadena de dominación. Pero nunca los vemos del todo. Nunca los comprendemos del todo. No tienen rostro. Este diseño escalonado permite dosificar revelaciones y, al mismo tiempo, sugerir que cada capa podría representar un sistema distinto: capital financiero, algoritmos, Estados autoritarios. La metáfora sigue funcionando porque, en 2025, la sensación de pelear contra “nadie” es más actual que nunca. No hay bandera, no hay idioma, no hay ideología clara. Solo control. Solo sumisión. Y esa ausencia de rostro impide caer en lecturas nacionalistas. Escuchamos por la radio que es un problema planetario. Los enemigos pueden estar en cualquier parte. Incluso dentro de nosotros. 11. EL LEGADO DE OESTERHELD COMO SUBTEXTO Héctor G. Oesterheld fue secuestrado y desaparecido en 1977 junto con sus cuatro hijas; su obra se convirtió en símbolo de resistencia cultural. Cada plano de la serie lleva ese eco: el héroe colectivo que se levanta contra un poder invisible es también un acto de memoria. Al poner El Eternauta en la vidriera global de Netflix, los creadores no solo adaptan un clásico: envían el mensaje de Oesterheld —“nadie se salva solo”— a millones de espectadores nuevos. El viajero del tiempo vuelve a cruzar la cuarta pared, recordándonos que la ficción puede seguir combatiendo décadas después de escrita. “El héroe verdadero de El Eternauta es un héroe colectivo, un grupo humano. Refleja así, aunque sin intención previa, mi sentir íntimo: el único héroe válido es el héroe ‘en grupo’, nunca el héroe individual, el héroe solo”, resumió el autor en la introducción de la edición completa de su clásico. La serie se estrenó justo la semana del aniversario de su desaparición. Y para muchos espectadores de Netflix —sobre todo los que no conocían el cómic— esta versión será su primer contacto con su obra. Es, al mismo tiempo, una adaptación, un homenaje, y una puerta de entrada a la memoria política argentina. 12. Preparar el terreno para la franquicia Netflix confirmó la segunda temporada a los cinco días del estreno; productores y director ya trabajan en ocho nuevos episodios. El guion de la T1 siembra pistas—la presencia de un “ente superior” que controla humanos y bichos, mensajes de radio ininteligibles, la posibilidad de que Clara esté controlada por el ente—y cierra lo justo para dejar a la audiencia en vilo, emulando la lógica de saga que el cómic también adoptó en sus secuelas. El artículo 732. 12 claves de guion de El Eternauta [https://cursosdeguion.com/732-12-claves-de-guion-de-el-eternauta/] se publicó primero en Academia Guiones y guionistas [https://cursosdeguion.com].

El artículo 731. El viaje del héroe en Adolescencia [https://cursosdeguion.com/731-el-viaje-del-heroe-en-adolescencia/] se publicó primero en Academia Guiones y guionistas [https://cursosdeguion.com]. Adolescencia es una de las series del año. Es una serie que brilla por el tema que trata y por cómo lo hace. Son cuatro episodios rodados en planos secuencia, como analicé en un pódcast anterior [https://cursosdeguion.com/725-como-escribir-un-plano-secuencia-como-en-adolescencia/]. ¿Os gustó el guion? ¿Vosotros pensáis que una historia tan fragmentada puede seguir una estructura como el viaje del héroe? Lo veremos hoy en el pódcast. Yo soy David Esteban Cubero y esto es Guiones y guionistas. Y estamos en plena revolución en la Academia Guiones y guionistas. Podéis echarle un ojo porque estamos creando distintos niveles según vuestra experiencia y podéis entrar desde 10 dólares. Está en cursosdeguion.com [http://cursosdeguion.com]. Y esta semana de lanzamiento voy a sortear tres plazas del nuevo taller Vomit Draft de Cortometrajes, un workshop concentrado que dura tres semanas y que en tan solo tres sesiones acabas con tu corto escrito. Si ya estás suscrito, y quieres participar en el sorteo, escríbeme un mail diciendo que quieres participar y te pongo en el saco. Esta semana comienza un curso nuevo en la Academia: Cómo distribuir un cortometraje [https://cursosdeguion.com/curso/curso-como-distribuir-un-cortometraje/]. Vamos a ver paso a paso cómo conseguir que tu corto llegue a Festivales, plataformas o donde sea necesario, según la estrategia que te marques. En la primera clase veremos qué debemos preparar antes de comenzar a distribuir. Porque hay necesidades técnicas, pero también promocionales. La lista es más larga de lo que te crees. EL VIAJE DEL HÉROE EN ADOLESCENCIA Adolescencia (Adolescence) es una miniserie de televisión de drama criminal británica de 2025 creada por Jack Thorne y Stephen Graham y dirigida por Philip Barantini para Netflix. La serie gira en torno a Jamie, un niño de 13 años que es arrestado acusado de asesinar a una compañera de clase, Katie. Os dejo el tráiler para recordar la serie. * https://youtu.be/2F1DweZwn6A [https://youtu.be/2F1DweZwn6A] SINOPSIS Jamie Miller, un niño de 13 años, es arrestado por el asesinato de una compañera de clase, pero la trama no gira en torno a resolver el asesinato, sino en torno a complejos desarrollos de personajes y detectives que quieren conocer el motivo. EL HÉROE Lo primero, como siempre, es determinar quién es el héroe. Aquí podríamos trazar dos caminos del Viaje del héroe diferentes, uno para el hijo y otro para el padre. Yovo ya decantar por el viaje del hijo, aunque con una sorpresa final. El héroe de Adolescencia es Jamie Miller, un adolescente aparentemente común que se ve arrastrado sin previo aviso a una situación límite: ser acusado del asesinato de una compañera de clase. Aunque su rol dentro del relato fluctúa entre víctima, sospechoso y posible victimario, lo que lo convierte en héroe en términos narrativos no es su inocencia o culpa, sino su viaje interno hacia la conciencia y la responsabilidad.  Jamie representa a una generación que crece en un entorno emocionalmente desatendido y dominado por las redes sociales, sin adultos capaces de acompañarlos. Su viaje no es heroico en el sentido tradicional, sino profundamente trágico: un descenso a las sombras de su identidad, donde la lucha principal es consigo mismo y con las carencias afectivas que lo han formado. Es un héroe caído, pero también espejo incómodo de un sistema que falla a los más jóvenes. ETAPAS DEL VIAJE DEL HÉROE EN ADOLESCENCIA 1. MUNDO ORDINARIO. El mundo ordinario es el mundo normal del héroe antes de que la historia comience.  Jamie Miller vive con su familia en un pequeño pueblo obrero de Inglaterra, dentro de un hogar aparentemente funcional y amoroso. Es un adolescente como tantos otros: tímido, retraído, con dificultades para comunicarse y sumergido en las redes sociales. Su mundo es reconocible: la escuela, los amigos, los videojuegos, la incomunicación con los adultos. Todo parece estable, pero bajo la superficie hay una desconexión emocional profunda, una falta de herramientas afectivas y una invisibilidad de los riesgos que lo rodean. Esta vida rutinaria se rompe abruptamente, dejando al descubierto una estructura familiar más frágil de lo que parecía. 2. LLAMADA A LA AVENTURA. Al héroe se le presenta un problema, desafío o aventura. La llamada de la aventura establece las reglas del juego, plantea la contienda y define el objetivo del héroe. Este paso coincide con lo que otros teóricos del guion denominan como el detonante o el incidente desencadenante.  El llamado no es voluntario ni metafórico: la policía irrumpe en la casa de los Miller y arresta a Jamie como sospechoso del asesinato de una compañera de clase. En segundos, el adolescente pasa de la cama a una patrulla, esposado y confundido. Es arrastrado fuera de su mundo sin comprender qué está ocurriendo. La serie no da tiempo a procesar el impacto; el espectador comparte la perplejidad de los personajes. El llamado no viene de una búsqueda, sino de un colapso: el sistema, la justicia y el dolor irrumpen en la vida de una familia común. 3. RECHAZO DE LA LLAMADA.  El héroe rechaza el desafío o aventura, principalmente por miedo al cambio. Jamie llora, niega los hechos, se aferra a su padre como un náufrago. A lo largo del interrogatorio, insiste en su inocencia mientras el mundo adulto le muestra pruebas que él no comprende del todo: publicaciones en Instagram, videos, conversaciones codificadas. No está listo para enfrentar esta travesía; ni siquiera entiende sus reglas. El rechazo también viene de los padres, que no pueden creer que su hijo sea capaz de algo así. Todos están en shock, intentando sostener la imagen previa que tenían de sí mismos y de su familia. 4. ENCUENTRO CON EL MENTOR. Un mentor lo hace aceptar la llamada y lo entrena para su aventura. Es aquella etapa en la que el héroe obtiene provisiones, conocimientos y la confianza necesaria para vencer sus miedos y adentrarse en la aventura.  A diferencia del arquetipo tradicional, aquí no hay un mentor salvador. El padre, Eddie, quiere proteger a su hijo, pero es emocionalmente torpe y está paralizado por la culpa y el miedo. Su amor está teñido de impotencia. Por otro lado, la figura que más se aproxima a un mentor es Briony, la psicóloga forense, quien confronta a Jamie con una mirada clara y sin juicios. A través de sus preguntas, lo obliga a mirarse por dentro. No es una guía amable, sino una profesional que representa la posibilidad de autoconocimiento, aunque Jamie la rechace y ataque. El mentor, en este caso, es el espejo. 5. CRUCE DEL PRIMER UMBRAL. El héroe abandona el mundo ordinario para entrar en el mundo especial o mágico.  Cuando Jamie entra al centro de detención juvenil, cruza definitivamente al “mundo especial” del héroe. Ha sido arrancado de su hogar, de su escuela, de su vida, y ahora habita un lugar regido por nuevas normas. Ya no es un niño en un dormitorio, sino un acusado en una celda. A partir de aquí, el viaje deja de ser externo y se vuelve psicológico. Jamie debe confrontar su historia, sus emociones, sus sombras. El umbral no es un portal mágico, sino una puerta con cerradura desde donde ya no se puede regresar. 6. PRUEBAS, ALIADOS Y ENEMIGOS. El héroe se enfrenta a pruebas, encuentra aliados y confronta enemigos, de forma que aprende las reglas del mundo especial. Le permite evolucionar emocional y espiritualmente y ser iniciado, en sabiduría, en valor, en la luz y en el bien.  La serie despliega un entramado de sospechas, secretos y relaciones rotas. Jamie enfrenta a la policía, a su padre, a sus propios recuerdos. Sus supuestos amigos —Tommy, Ryan— son ambiguos; lo traicionan o lo confunden. Briony representa una aliada incómoda, que desafía su relato y lo obliga a confrontar verdades dolorosas. Las redes sociales se revelan como un enemigo invisible, un campo de batalla emocional en el que los adolescentes se exponen, se hieren y se destruyen sin que los adultos lo vean. Cada interrogatorio, cada revelación, cada descubrimiento es una prueba que lo empuja más al abismo. 7. ACERCAMIENTO A LA GUARIDA DEL ENEMIGO. El héroe tiene éxitos durante las pruebas y se acerca a la “cueva más profunda”.  Durante una de las sesiones con Briony, Jamie comienza a mostrar su verdadera cara: no solo el adolescente asustado, sino también el joven resentido, violento, moldeado por discursos misóginos que ha absorbido sin filtros. Confiesa su humillación, su deseo de controlar, de herir. Reconoce que deseó que Katie estuviera débil para poder atraparla. Es aquí donde el relato da un giro escalofriante: Jamie entra en contacto con su monstruo interior. La cueva no es física, sino psicológica. El héroe se enfrenta, por fin, a su sombra. 8. PRUEBA DIFÍCIL O TRAUMÁTICA. La crisis más grande de la aventura, de vida o muerte.  La ordalía estalla cuando Jamie pierde el control: grita, rompe cosas, se abalanza sobre Briony, luego llora y suplica no ser abandonado. Es el punto más bajo, donde se revelan su fragilidad extrema y su desconexión afectiva. Ya no importa si es culpable o inocente: es un adolescente emocionalmente roto, que no sabe quién es ni cómo procesar el daño que ha causado (o sufrido). La ordalía lo deja expuesto, como un niño sin defensas. Aquí no hay victoria, solo el impacto brutal de una verdad insoportable. 9. RECOMPENSA. El héroe se ha enfrentado a la muerte, se sobrepone a su miedo y ahora gana una recompensa.  En un gesto inesperado, Jamie llama a su padre desde el centro para decirle que se declarará culpable. No sabemos si lo hace por aceptación de la verdad, por resignación o por desesperación. Pero este acto supone un punto de inflexión: es la primera vez que toma una decisión consciente, que asume las consecuencias. La recompensa es amarga, pero real. Hay un atisbo de responsabilidad, un intento de cierre. El elixir no es redentor, sino clarificador: en medio del caos, Jamie intenta recuperar el control de su relato. 10. CAMINO DE VUELTA.  El héroe debe volver al mundo ordinario.  Quien emprende el verdadero camino de regreso es Eddie, el padre. Tras meses de negación, rabia y silencios, empieza a procesar su parte en la tragedia. Descubre que ha fallado como padre, que su incapacidad para conectar con su hijo contribuyó a la desconexión que permitió que el monstruo creciera sin ser visto. Eddie sale del rol de defensor ciego para asumir el de hombre herido, dispuesto a mirar la verdad de frente. Es un regreso al mundo ordinario, pero ya nada es igual. 11. RESURRECCIÓN DEL HÉROE. Otra prueba donde el héroe se enfrenta a la muerte y debe usar todo lo aprendido.  En una de las escenas más duras de la serie, Eddie entra en la habitación de Jamie, abraza su almohada, llora, grita, pide perdón. Reconoce que no supo cómo criar a un niño como él. Esta es su resurrección: un acto de vulnerabilidad total. Ha muerto el padre que creía tener razón, que pensaba que lo hacía bien, que se escondía tras el trabajo o la costumbre. En su lugar, renace un hombre quebrado, pero honesto, que asume su culpa y su humanidad. 12. REGRESO CON EL ELIXIR. El héroe regresa a casa con el elixir y lo usa para ayudar a todos en el mundo ordinario.  El elixir final es el reconocimiento de esa responsabilidad, demasiado tarde para cambiar el pasado, pero tal vez útil para iluminar el presente. Eddie besa el osito de peluche de Jamie como si besara a su hijo. Le susurra que lo siente. Este gesto, íntimo y devastador, es la única ofrenda que puede hacer: su amor, su dolor, su verdad. El héroe ha vuelto del inframundo, no con un trofeo, sino con una conciencia nueva. Y el espectador, como él, queda transformado. El artículo 731. El viaje del héroe en Adolescencia [https://cursosdeguion.com/731-el-viaje-del-heroe-en-adolescencia/] se publicó primero en Academia Guiones y guionistas [https://cursosdeguion.com].

El artículo 730. Renovación en la Academia Guiones y guionistas [https://cursosdeguion.com/730-renovacion-en-la-academia-guiones-y-guionistas/] se publicó primero en Academia Guiones y guionistas [https://cursosdeguion.com]. Hoy tenemos un pódcast muy especial porque voy a presentaros la renovación de la Academia Guiones y guionistas. Han pasado casi 8 años desde su nacimiento, en los que han pasado más de 2000 alumnos y ha llegado el momento de hacer una renovación. No es una revolución, pero estoy seguro de que va a ser mucho más útil para todos los guionistas estén en la frase de aprendizaje en la que estén, ya sea que estén empezando o que sean profesionales. Yo soy David Esteban cubero y esto es el pódcast Guiones y guionistas. Ayer hice un directo en el que expliqué que la academia que está en cursosdeguion.com [http://cursosdeguion.com] tenía tantos cursos que a algunos guionistas les daba estrés porque no sabía por dónde empezar. Demasiado contenido. Por eso he renovado la Academia en torno a tres niveles diferentes. Cada nivel va dedicado a un momento en la formación del guionista y tiene un contenido y precio diferente. Por un lado, está el nivel Iniciación [https://cursosdeguion.com/rutas-de-iniciacion/] (básico), para quienes comienzan su viaje en la escritura de guiones y necesitan dominar los fundamentos. Ideal para estudiantes, aficionados y curiosos que quieran adquirir las bases sólidas de la narrativa audiovisual. Después le sigue el nivel crecimiento [https://cursosdeguion.com/rutas-de-crecimiento/] (intermedio), para guionistas en formación activa que buscan profundizar en técnicas específicas y ampliar su conjunto de habilidades. Perfecto para quienes ya conocen los fundamentos y quieren llevar su escritura al siguiente nivel. Y terminamos con el nivel profesiona [https://cursosdeguion.com/rutas-de-nivel-profesional/]l (avanzado), para guionistas semi-profesionales con proyectos concretos en desarrollo que buscan retroalimentación personalizada y herramientas avanzadas. Diseñado para quienes necesitan pulir sus obras y prepararlas para el mercado. Y cada nivel tiene unas rutas de aprendizaje concretas, una guía en su aprendizaje pensada para las necesidades de cada momento. Puedes ver los precios y condiciones aquí. [https://cursosdeguion.com/academia-guiones-y-guionistas/] Y ahora viene el sorteo. En dos semanas comenzaré una nueva edición de Vomit Draft Cortometraje. Un taller del que sales con tu guion de corto en tan solo tres sesiones. Pues bien, si te das de alta en la Academia en los próximos 10 días, entras en el sorteo de 3 plazas gratuitas para el taller. Los que ya estáis en la academia también podéis entrar en el sorteo, tan solo debéis contestarme a este mail solicitándomelo.  El artículo 730. Renovación en la Academia Guiones y guionistas [https://cursosdeguion.com/730-renovacion-en-la-academia-guiones-y-guionistas/] se publicó primero en Academia Guiones y guionistas [https://cursosdeguion.com].

El artículo 730. Renovación en la Academia Guiones y guionistas [https://cursosdeguion.com/730-renovacion-en-la-academia-guiones-y-guionistas/] se publicó primero en Academia Guiones y guionistas [https://cursosdeguion.com]. Hoy tenemos un pódcast muy especial porque voy a presentaros la renovación de la Academia Guiones y guionistas [https://cursosdeguion.com/academia-guiones-y-guionistas/]. Han pasado casi 8 años desde su nacimiento, en los que han pasado más de 2000 alumnos y ha llegado el momento de hacer una renovación. No es una revolución, pero estoy seguro de que va a ser mucho más útil para todos los guionistas estén en la frase de aprendizaje en la que estén, ya sea que estén empezando o que sean profesionales. Yo soy David Esteban cubero y esto es el pódcast Guiones y guionistas. Ayer hice un directo en el que expliqué que la academia que está en cursosdeguion.com [http://cursosdeguion.com] tenía tantos cursos que a algunos guionistas les daba estrés porque no sabía por dónde empezar. Demasiado contenido. Por eso he renovado la Academia en torno a tres niveles diferentes. Cada nivel va dedicado a un momento en la formación del guionista y tiene un contenido y precio diferente. Por un lado está el nivel Iniciación (básico), para quienes comienzan su viaje en la escritura de guiones y necesitan dominar los fundamentos. Ideal para estudiantes, aficionados y curiosos que quieran adquirir las bases sólidas de la narrativa audiovisual.  Este nivel tiene acceso a rutas de varios cursos para completar retos concretos, como escribir un cortometraje. Ver rutas para principiantes [https://cursosdeguion.com/rutas-de-iniciacion/]. Después le sigue el nivel crecimiento (intermedio), para guionistas en formación activa que buscan profundizar en técnicas específicas y ampliar su conjunto de habilidades. Perfecto para quienes ya conocen los fundamentos y quieren llevar su escritura al siguiente nivel. Este nivel tiene acceso a rutas de varios cursos para completar retos concretos, como escribir un largometraje o serie. Ver rutas de crecimiento [https://cursosdeguion.com/rutas-de-crecimiento/]. Y terminamos con el nivel profesional (avanzado), para guionistas semi-profesionales con proyectos concretos en desarrollo que buscan retroalimentación personalizada y herramientas avanzadas. Diseñado para quienes necesitan pulir sus obras y prepararlas para el mercado. Este nivel tiene acceso a rutas de varios cursos para completar retos concretos, como desarrollar la carrera profesional o vender un guion. Ver rutas para profesionales [https://cursosdeguion.com/rutas-de-nivel-profesional/]. Y cada nivel tiene unas rutas de aprendizaje concretas, una guía en su aprendizaje pensada para las necesidades de cada momento. Puedes ver los precios y condiciones aquí [https://cursosdeguion.com/academia-guiones-y-guionistas/]. Y ahora viene el sorteo. En dos semanas comenzaré una nueva edición de Vomit Draft Cortometraje. Un taller del que sales con tu guion de corto en tan solo tres sesiones. Pues bien, si te das de alta en la Academia en los próximos 10 días, entras en el sorteo de 3 plazas gratuitas para el taller. Los que ya estáis en la academia también podéis entrar en el sorteo, tan solo debéis contestarme a este mail solicitándomelo.    El artículo 730. Renovación en la Academia Guiones y guionistas [https://cursosdeguion.com/730-renovacion-en-la-academia-guiones-y-guionistas/] se publicó primero en Academia Guiones y guionistas [https://cursosdeguion.com].

El artículo 729. Así vendí mi guion: Amores Perros [https://cursosdeguion.com/729-asi-vendi-mi-guion-amores-perros/] se publicó primero en Academia Guiones y guionistas [https://cursosdeguion.com]. Hoy continuamos con la serie de pódcast “Así vendí mi guion”, dedicada a ver cómo se escribieron y vendieron los guiones más famosos. Ya vimos El indomable Will Hunting, Rocky, Juno, Pulp Fiction, Being John Malkovich, Little Miss Sunshine, Bailando con Lobos, Stranger Things, Seven, Thelma y Louise y El club de los poetas muertos. Hoy veremos una de las películas más influyentes del cine mexicano que volvió a ponerlo en boca de todo el mundo: Amores Perros. Y, como venimos haciendo en la serie, nos lo va a contar su propio guionista, Guillermo Arriaga. Yo soy David Esteban Cubero y esto es Guiones y guionistas. En cursosdeguion.com tenemos un nuevo reto: “7 días, 7 personajes” [https://cursosdeguion.com/leccion/reto-7-dias-7-personajes-reto-activo/] para aprender a crear personajes profundos y memorables usando técnicas narrativas probadas. Durante una semana, recibirás diariamente ejercicios prácticos basados en herramientas como la Ventana de Johari, la teoría de los cuatro humores, la biografía emocional y los arquetipos clásicos. Para hacer el reto tan solo debes apuntarte en la web y dejar tu mail. Es en la zona de Retos de Escritura que hay en la parte superior. Busca el reto activo “7 días, 7 personajes” y deja tu mail antes del 2 de mayo. El 3 de mayo llegará el primer mail. Y atentos todos porque la semana que viene voy a anunciar una revolución: la Academia Guiones y guionistas. Va a haber muchas novedades, pero lo contaré aquí el próximo pódcast. ASÍ VENDÍ MI GUION: AMORES PERROS POR GUILLERMO ARRIAGA. Desde muy chico supe que quería contar historias. Crecí en un barrio bravo de Ciudad de México, donde la violencia no era algo extraordinario, sino parte del paisaje cotidiano. A los trece años, durante una pelea callejera, recibí un golpe tan fuerte que perdí el sentido del olfato para siempre. Ese accidente me marcó profundamente. Aprendí que la vida puede cambiar brutalmente en un instante y que, detrás de cada cicatriz, hay una historia digna de ser contada.  Antes de acercarme al cine, ya había hecho mi carrera como escritor. Había publicado algunas novelas —Escuadrón Guillotina, Un dulce olor a muerte— y trabajaba como profesor de narrativa en la Universidad Iberoamericana. Para mí, escribir no era un acto de entretenimiento: era una necesidad vital. Siempre me obsesionaron los temas de la culpa, la redención y la violencia —esa violencia íntima y sorda que puede destruir una vida sin que nadie se entere. La vida, a veces, te cambia en una sola conversación. Conocer a Alejandro González Iñárritu fue uno de esos momentos. Fue gracias a Raúl Olvera, un productor amigo, que nos cruzamos. Yo seguía escribiendo novelas y enseñando en la universidad; Alejandro ya era una figura reconocida en el mundo de la radio, tras revolucionar WFM con su estilo innovador y agresivo. Pero su ambición era otra. Él quería hacer cine. Y lo quería hacer de una forma brutal, visceral, sin concesiones.  La primera vez que nos sentamos a hablar fue más un duelo que una charla: dos tipos tercos, testarudos, defendiendo cada uno su visión de la narrativa. Pero había una chispa en esa tensión. Alejandro me dijo una frase que no he olvidado: “Quiero hacer un cine que huela, que no sea limpio ni bonito. Quiero golpear al espectador en la cara.” Yo pensé: este cabrón entiende de qué se trata contar historias de verdad.  Empezamos colaborando en la idea de una serie de cortometrajes que narraran distintas historias de Ciudad de México. Nos lanzamos a escribir: treinta, cuarenta borradores diferentes durante casi tres años. Pero algo no terminaba de cuajar. Hasta que una noche, tras una larga discusión, surgió la idea que cambiaría todo: unir esas historias a través de un accidente brutal. Tres vidas entrelazadas en un solo momento. Un accidente de tráfico que rompiera las líneas narrativas y revelara, en el fondo, la violencia callada de la ciudad. Así nació la estructura de Amores perros. No quería una narrativa tradicional. No quería un A lleva a B y luego a C. Quería algo que imitara la vida misma: imprevisible, caótica, fragmentada. Propuse que la película se dividiera en tres historias, cada una mostrando una cara distinta del amor —ese amor que en lugar de redimir, destruye.  La primera sería la de Octavio, un joven desesperado por escapar de su realidad, atrapado en el mundo de las peleas de perros clandestinas, enamorado perdidamente de la esposa de su hermano. La segunda, la de Valeria, una modelo de éxito cuyo mundo perfecto se desmorona tras el accidente, atrapada en un departamento con su perro desaparecido bajo el suelo, metáfora de su propia belleza perdida. Y la tercera, la del Chivo, un exguerrillero que ha cambiado los ideales por el sicariato, intentando desesperadamente reconstruir la relación con la hija que abandonó.  Cada historia sería autónoma, pero interconectada. Cada protagonista sería un extra en la vida de los demás. La ciudad —nuestro monstruo de cemento, sudor y furia— sería otro personaje más, omnipresente, indiferente, brutal. Era un proyecto ambicioso, un rompecabezas emocional y narrativo. Y sabíamos que para levantarlo íbamos a necesitar algo más que talento: íbamos a necesitar fe ciega. Teníamos el guion. Teníamos la convicción. Pero no teníamos dinero. Y levantar una película en México, a finales de los noventa, era casi una misión suicida. El cine mexicano estaba en ruinas. Apenas se hacían películas, y mucho menos películas arriesgadas, oscuras, violentas. Presentamos el proyecto a varias productoras. Algunas escuchaban educadamente, otras ni siquiera nos daban cita.  Para muchos, Amores perros era inviable: demasiado cruda, demasiado arriesgada, demasiado fragmentada. Pero Alejandro tenía buenos contactos en el mundo de la publicidad, donde ya había demostrado su talento visual. Fue él quien consiguió que Z Films, una productora de comerciales, apostara por nosotros. Nos dieron apoyo logístico y una pequeña inyección de dinero. Luego se sumó Altavista Films, gracias a Santiago García Galván y Francisco González Compeán, quienes vieron en nuestro proyecto algo distinto, algo que podía romper el estancamiento del cine nacional.  Además, logramos obtener apoyo parcial de FOPROCINE, un fondo público que empezaba a abrirse a propuestas más arriesgadas. El presupuesto final rondó los 2.5 millones de dólares. No era mucho para lo que queríamos hacer, pero era suficiente para rodar si éramos inteligentes, si poníamos cada peso en la pantalla. El rodaje fue una experiencia brutal en todos los sentidos. Filmamos en condiciones duras, muchas veces con recursos mínimos. La ciudad no nos hacía concesiones: el tráfico, la contaminación, la violencia real que flotaba en las calles. Cada día era una batalla. Para las escenas de peleas de perros, contratamos entrenadores profesionales y trabajamos bajo estrictas supervisiones veterinarias. Nunca se lastimó a un animal. Todo estaba cuidadosamente coreografiado, como una danza violenta pero controlada. A nivel actoral, apostamos por jóvenes casi desconocidos. Gael García Bernal, que interpretó a Octavio, era un diamante en bruto. Tenía esa mezcla de ternura y rabia que pedía el personaje. Emilio Echevarría, que encarnó al Chivo, venía del teatro, y su rostro ajado, su mirada perdida, le daban una autenticidad imposible de fabricar. La cámara de Rodrigo Prieto se convirtió en un personaje más: sucia, nerviosa, casi documental, como si tratáramos de atrapar la vida misma con cada movimiento. Cuando terminamos la película, sabíamos que teníamos algo poderoso entre manos. Pero también sabíamos que era un riesgo enorme. ¿Quién iba a querer ver una película de tres historias cruzadas, llena de violencia, de desesperanza, rodada con una crudeza casi pornográfica? La respuesta llegó en Cannes. Amores perros fue seleccionada para la Semana de la Crítica del Festival de Cannes 2000. Y allí, el milagro ocurrió. Ganamos el Gran Premio de la Semana de la Crítica.  De pronto, todo el mundo hablaba de nosotros. Hollywood empezó a llamar. En México, el estreno fue apoteósico. La película recaudó 95 millones de pesos, una cifra impensable para el cine nacional en ese momento. Ganamos 11 premios Ariel. Y más importante aún: Amores perros puso de nuevo al cine mexicano en el mapa internacional. Después vinieron más proyectos. Alejandro y yo colaboramos en 21 gramos y Babel, completando lo que muchos llaman la “Trilogía de la muerte”. Pero también vinieron las tensiones, las peleas por la autoría, las diferencias irreconciliables. Terminamos nuestra relación de manera abrupta. No nos hablamos más. No nos reconciliamos. Y no creo que lo hagamos. Es parte de la vida: hay caminos que se cruzan para crear algo poderoso, pero que luego deben separarse para no destruirse. Amores perros nació de una necesidad profunda de contar las heridas que cargamos todos, aunque no se vean. No escribí esa película para ser famoso, ni para ganar premios. La escribí porque era una historia que necesitaba salir. Porque esos amores sucios, esos perros heridos, también eran parte de mí. Y porque creo, ahora más que nunca, que el verdadero arte nace del instinto, del riesgo y de la pasión salvaje de atreverse a no pedir permiso. El artículo 729. Así vendí mi guion: Amores Perros [https://cursosdeguion.com/729-asi-vendi-mi-guion-amores-perros/] se publicó primero en Academia Guiones y guionistas [https://cursosdeguion.com].