'El baile de los vampiros' (1967), o lo que se pierden los que cancelaron a Polanski

'La Matanza de Texas' (1974) con Javier Botet: el ejercicio de sadismo más apasionante del cine

En compañía del actor Javier Botet dedicamos el programa a la mítica La matanza de Texas de Tobe Hooper. En esta nueva entrega de Par Impar, el programa sobre cine de esRadio, Juanma González y Dani Palacios reciben al actor Javier Botet para desgranar una de las obras más perturbadoras de la historia del séptimo arte: La Matanza de Texas (1974). Botet, cuya carrera se ha forjado dando vida a las criaturas más aterradoras del cine actual, aporta una visión privilegiada sobre la película de Tobe Hooper, calificándola como un ejercicio de puro sadismo cinematográfico. Una película rodada con presupuesto ínfimo, lo que paradójicamente potenció su impacto visual y emocional. Rodada en condiciones extremas durante un verano asfixiante en el estado de Texas, los actores tuvieron que lidiar con temperaturas superiores a los cuarenta grados, olores nauseabundos provenientes de esqueletos de animales reales y un agotamiento físico que traspasa la pantalla. Esta precariedad, lejos de ser un defecto, dotó a la producción de un realismo documental que incomoda al espectador moderno. Uno de los puntos centrales del debate es la figura de Leatherface, interpretado originalmente por Gunnar Hansen. Se analiza cómo este personaje rompió los moldes de los asesinos del cine de terror previo, presentándose no como un monstruo sobrenatural, sino como un matarife rudo y desequilibrado que opera bajo una lógica familiar perversa. La escena de su primera aparición, marcada por el golpe seco de un mazo y el posterior cierre violento de una puerta metálica, es descrita como una obra maestra del montaje y el diseño de sonido, donde el ruido industrial sustituye a las partituras convencionales para generar una angustia inmediata. La conversación también profundiza en el trasfondo social de la obra, conectándola con el trauma nacional provocado por la guerra de Vietnam. La Matanza de Texas funciona como una crítica mordaz a la sociedad estadounidense de los años setenta, mostrando la descomposición del sueño americano en las zonas rurales más olvidadas. El análisis se extiende a la influencia de Ed Gein en el guion y cómo esta historia de canibalismo familiar refleja un espíritu transgresor y sucio que también se puede rastrear en ciertos exponentes del cine español de la época, como La Semana del Asesino de Eloy de la Iglesia.

'Insidious' (2010): viaje astral con Norma Ruiz, Miguel Ángel Lamata y una insidiosa ahorcada

En compañía de la actriz Norma Ruiz y el director Miguel Ángel Lamata, que presentan La ahorcada, hablamos de la mítica Insidious (2010). En una nueva entrega del programa Par-impar de esRadio, los presentadores Juanma González y Dani Palacios se sumergen en el análisis de una de las obras más influyentes del cine de terror contemporáneo: Insidious (2010). Para este recorrido por lo sobrenatural, cuentan con la presencia del director Miguel Ángel Lamata y la actriz Norma Ruiz, quienes visitan los estudios de Libertad Digital para presentar su proyecto cinematográfico titulado La ahorcada. El grupo destaca la maestría de James Wan para revolucionar el género con un presupuesto ínfimo de apenas un millón de dólares. Los tertulianos coinciden en que la película no solo fue un éxito de taquilla, recaudando cerca de cien millones, sino que estableció un nuevo estándar para el cine de terror moderno. La clave de este éxito radica en la capacidad de Wan para utilizar elementos cotidianos y convertirlos en fuentes de angustia absoluta, como el uso de la canción Tiptoe Through the Tulips. El audio arranca con una animada charla sobre el proceso de rodaje de La ahorcada, una película que, según explican sus creadores, transita entre el thriller psicológico y el horror más clásico. Lamata relata con detalle la atmósfera inquietante que vivieron durante la grabación en la provincia de Teruel, específicamente en un antiguo orfanato abandonado en la calle Comandante Aguado. Este escenario real, cargado de historia y leyendas locales, proporcionó el entorno perfecto para la película, pero también regaló al equipo experiencias que rozaron lo paranormal. La conversación aborda el concepto central de la trama: la proyección o viaje astral. Explican cómo la película subvierte el tropo de la casa encantada para revelar que no es el lugar el que está maldito, sino el niño. Este giro narrativo convierte al cuerpo del pequeño en un recipiente vacío que los espíritus del más allá anhelan ocupar. Miguel Ángel Lamata reflexiona sobre cómo esta idea de vulnerabilidad durante el sueño es un miedo universal que conecta profundamente con el espectador. Los colaboradores de esRadio analizan también la estética de los fantasmas de Wan. A diferencia de otras producciones donde los espectros son etéreos o digitales, en Insidious las presencias son físicas y casi tangibles, lo que aumenta la sensación de peligro inminente. Destacan especialmente el diseño del demonio de cara roja, conocido entre los fans como el Lipstick-Face Demon, y cómo su aparición mediante un jump scare detrás de Patrick Wilson se ha convertido en una de las imágenes más icónicas del siglo XXI.

'Carrie' (1976), la escandalosa película de mujeres que hoy no se podría rodar

Carrie, el gran éxito de terror de Brian De Palma, es objeto de debate con la escritora Mayte Navales. En este nuevo episodio de Par Impar los presentadores Juanma González y Dani Palacios reciben a la escritora Mayte Navales para conversar sobre Carrie, la gran adaptación de Stephen King que realizó Brian De Palma, y también de su nuevo proyecto, la novela La ahorcada, una obra de terror con la que podemos establecer similitudes. Carrie, la adaptación cinematográfica que Brian De Palma realizó sobre la primera novela de Stephen King. Los contertulios analizan la figura de la protagonista de La ahorcada en relación con el arquetipo que representa Carrie White. Ambas historias presentan a mujeres que transitan de ser víctimas de un entorno hostil a convertirse en ejecutoras implacables. ¿Como se lleva en la actualidad el tema de la venganza femenina tras años de abusos, soledad y fanatismo religioso?. Al igual que en la obra de King, el componente sobrenatural actúa como un catalizador de la furia acumulada contra una sociedad que carece de compasión. Durante la conversación, se rememoran anécdotas fascinantes sobre la producción de Carrie en 1976. Se menciona cómo Stephen King llegó a tirar el manuscrito a la basura, siendo rescatado por su esposa, Tabitha. También se destaca la entrega de Sissy Spacek, quien se presentó al casting con el pelo sucio y un vestido de marinera para convencer a De Palma de que ella era la actriz idónea para encarnar la vulnerabilidad y el terror de la joven Carrie. Los presentadores elogian la iconografía religiosa presente en el filme, especialmente la muerte de la madre, interpretada por Piper Laurie, que evoca una versión macabra de San Sebastián. Un punto clave de la charla es la técnica visual de Brian De Palma. Se discute el uso del split-screen y los planos secuencia, herramientas que el director utilizó para generar una tensión insoportable en escenas icónicas como el baile de graduación. Navales comenta que en la película de La ahorcada también se ha buscado esa elegancia visual, alejándose del simple susto fácil para construir una atmósfera de terror gótico contemporáneo. La autora señala que su historia es, en esencia, un relato sobre la maldad humana y cómo esta se ensaña con los más débiles. La estética de los años 70 también es objeto de análisis. Los presentadores observan que los adolescentes en las películas de esa época, como en Carrie, lucían mucho más maduros que los de series actuales como Stranger Things o Euphoria. Este realismo sucio y adulto de la década de los 70 aportó a la película una crudeza que la convirtió en un clásico de culto instantáneo. Además, se resalta la banda sonora de Pino Donaggio, capaz de alternar melodías románticas con sonidos estridentes y pesadillescos, una dualidad que Navales también ha intentado reflejar en su obra mediante referencias a músicos como Eric Clapton y Raimundo Amador. Hacia el final del programa, se discute el impacto del final inesperado de Carrie, un recurso que marcó una tendencia en el género de terror. Maite Navales explica que La ahorcada también juega con las expectativas del espectador, ofreciendo un desenlace que invita a la reflexión sobre el ciclo de la violencia. Para cerrar el episodio, los participantes disfrutan de temas musicales emblemáticos como Carrie de la banda Europe y el clásico Because the Night de Patti Smith, celebrando el talento de Navales para revivir la esencia del terror clásico en el panorama editorial y cinematográfico actual.

'El baile de los vampiros' (1967), o lo que se pierden los que cancelaron a Polanski

Nuevo podcast de Par-Impar en torno a la clásica comedia de terror de Roman Polanski, El baile de los vampiros. El baile de los vampiros, o The Fearless Vampire Killers, parece una parodia de las películas de terror de la Hammer y la Universal... pero es de todo menos inofensiva. Roman Polanski, a un año de dirigir La semilla del diablo, realizó una comedia cartoon que tiene tanto de Scooby Doo como de sus títulos más inhumanos y pesimistas. Pero El baile de los vampiros es también la película por la que se recuerda a la célebre y malograda Sharon Tate, pareja de Polanski y tristemente asesinada en unos acontecimientos que todavía se recuerdan. En este nuevo podcast de cine de Par-Impar, Juanma González y Dani Palacios conversan sobre este clásico de la comedia negra en la que Polanski consiguió inyectar un inesperado pesimismo a su cuento de vampiros... además de un punto de vista muy europeo. El hecho de filmar con tanto lujo una parodia ya habla por sí mismo. n este nuevo podcast de cine de Par-Impar, Juanma González y Dani Palacios conversan sobre este clásico de la comedia negra en la que Polanski consiguió inyectar un inesperado pesimismo a su cuento de vampiros... además de un punto de vista muy europeo. El hecho de filmar con tanto lujo una parodia ya habla por sí mismo. La película representa un punto de inflexión en la carrera del director polaco, marcando su transición desde el cine de autor europeo más introspectivo, como Repulsión o Cuchillo en el agua, hacia una producción con vocación más internacional y comercial. Los colaboradores destacan que Polanski realiza aquí un homenaje satírico a las producciones de la Hammer Films, pero lo hace con una factura técnica y una elegancia visual que superan con creces a las obras originales que parodia. A diferencia de las parodias actuales que suelen caer en lo burdo, esta cinta mantiene un equilibrio perfecto entre la comedia y el género de terror, logrando inquietar al espectador mientras lo divierte. La figura de Sharon Tate ocupa una parte central de la conversación. La forma en que Polanski la filma trasciende la mera dirección; es la mirada de un hombre profundamente enamorado de su musa. Cada plano de Tate en la película, desde su primera aparición en la tina hasta el baile final, está cargado de una luminosidad y una perfección estética que hoy, conociendo su trágico final a manos de la secta de Charles Manson, adquiere una cualidad casi espectral. El programa recuerda cómo directores posteriores, como Quentin Tarantino en Érase una vez en... Hollywood, han intentado recuperar esa luz que Polanski capturó de manera definitiva en esta obra maestra del 67. Todo esto y mucho más en el episodio de Par-Impar. Te recordamos que puedes pinchar en el enlace para acceder a la web del programa y otros episodios.

'Heat' (1995), la hipnótica obra maestra de los 90 con Pacino y De Niro mirándose fijamente

El podcast de cine de esRadio conversa sobre Heat, el thriller de los noventa que juntó a Al Pacino y Robert De Niro. Pocas películas tienen tan claro que aspiran a clásico del séptimo arte como Heat. Cuando se estrenó a mediados de los noventa, el film de Michael Mann se promocionó como la ansiada reunión de dos ídolos, Robert De Niro y Al Pacino, por mucho que ambos compartan más bien pocas escenas en las tres hodas de pelicula. Pero el tiempo ha situado el film todavía más arriba en el panteón de las películas más influyentes de finales de siglo. En este nuevo podcast de Par-Impar, Juanma González y Dani Palacios conversan con José Fortaña, del podcast CineActual, sobre este fenomenal thriller de los noventa. Y ojo, lo hacen con un reducido público en el estudio, por lo que no te extrañes si oyes alguna propuesta fuera de micrófonos. La película es célebre, ante todo, por reunir en una misma pantalla a dos titanes de la interpretación: Al Pacino y Robert De Niro. El término original Heat hace referencia a la presión policial que siente el delincuente mientras disecciona la vida de dos profesionales en extremos opuestos de la ley que, sin embargo, comparten una ética de trabajo implacable y una soledad compartida que los hace extrañamente similares. Uno de los puntos fuertes destacados es el estilo visual de Michael Mann. Se subraya su capacidad para dotar a las escenas de una atmósfera hipnótica, apoyada en la fotografía de Dante Spinotti y una banda sonora ambiental, con temas de Moby, que rehúye los tópicos del cine de acción convencional. La película no tiene prisa; se toma casi tres horas para desarrollar no solo la trama del gran atraco al banco, sino también la maraña de subtramas personales que humanizan a todo el equipo de criminales y policías. El personaje de Robert De Niro, Neil McCauley, encarna al criminal disciplinado cuya máxima es no tener nada en la vida que no puedas dejar atrás en treinta segundos si sientes la presencia de la justicia a la vuelta de la esquina. Frente a él, el Vincent Hanna de Al Pacino es un detective consumido por su oficio, cuya vida personal es un desastre de matrimonios fallidos, pero que posee una agudeza intelectual que le permite reconocer en McCauley a un igual. Asimismo, el podcast reflexiona sobre el papel de las mujeres en este universo. Personajes interpretados por Ashley Judd o Diane Venora no son simples adornos, sino el reflejo del sacrificio emocional que conlleva la obsesión por el deber o el crimen. La fragilidad masculina se hace evidente cuando estos hombres ven cómo sus mundos afectivos se desmoronan por su incapacidad de conciliar la vida profesional con la personal.