'The Descent' (2005), el descenso a los infiernos que fue el terror de los 2000

'The Descent' (2005), el descenso a los infiernos que fue el terror de los 2000

Juanma y Dani conversan sobre la película The Descent, un perfecto ejemplo de horror fuertecito de la década de los 2000. En esta entrega de nuestro espacio de cine en esRadio, Juanma González y Dani Palacios se adentran en las profundidades de la tierra para analizar una de las películas más emblemáticas del género de terror de la década de los 2000: The Descent, dirigida por el británico Neil Marshall. Estrenada en 2005, esta obra llegó en un momento en que el público seguía muy de cerca los pasos de su director tras el éxito de su anterior largometraje, Dog Soldiers. Los presentadores coinciden en que la película supuso un hito en el cine de horror de la época, destacando por su atmósfera asfixiante y un crudo retrato de la supervivencia humana llevado al límite. La trama sigue a un grupo de seis amigas que deciden emprender una expedición de espeleología en una remota cadena montañosa. Sin embargo, lo que comienza como una actividad de aventura pronto se transforma en una auténtica pesadilla claustrofóbica. Dani y Juanma subrayan que, más allá de la amenaza física de las extrañas criaturas ciegas que habitan en la oscuridad, el verdadero motor de la tensión dramática es el tenso triángulo amoroso latente entre la protagonista, Sarah, su amiga Juno y el difunto esposo de la primera. Este conflicto psicológico fractura la supuesta solidaridad femenina desde el primer minuto, ofreciendo un retrato humano implacable, pesimista y carente de heroísmos idealizados. Desde el punto de vista formal, los presentadores elogian la influencia de maestros como John Carpenter en el manejo del espacio claustrofóbico y la tensión sostenida. Marshall utiliza de manera magistral el formato panorámico para capturar tanto la inmensidad de los paisajes exteriores al inicio de la cinta como la opresión de los pasadizos subterráneos. Aunque gran parte de la película se rodó en plató, la iluminación —que transita desde tonos fríos y blanquecinos al estilo de Janusz Kaminski en Minority Report hasta la oscuridad absoluta salpicada por el rojo de las bengalas— consigue sumergir al espectador en un entorno absolutamente verosímil y terrorífico. Otro de los aciertos técnicos comentados es la banda sonora compuesta por David Julyan, la cual evoca de inmediato las melodías trágicas de Howard Shore en El Silencio de los Corderos. Asimismo, se analiza el uso de la obturación de la cámara en las secuencias de acción dentro de la cueva, un recurso visual similar al empleado por Danny Boyle en 28 Días Después. Al aumentar la velocidad del obturador en condiciones de extrema subexposición, Marshall logra definir los movimientos de las criaturas de manera nítida e inquietante sin perder la oscuridad natural del escenario, una decisión artística sumamente arriesgada pero ejecutada con un éxito rotundo. El debate se intensifica al analizar los diferentes finales de la película según el mercado en el que se distribuyó. Mientras que el estreno en Estados Unidos ofreció una versión editada en la que la protagonista logra escapar, el corte original europeo mantiene un tono de absoluto pesimismo en el que la huida resulta ser una mera alucinación de Sarah, atrapada definitivamente en la fosa. Para Juanma y Dani, este último final es el único coherente con el descenso a la locura y la deshumanización que sufre el personaje, quien termina convertida en una criatura tan salvaje como los propios monstruos de la caverna para asegurar su supervivencia. Finalmente, los presentadores repasan la trayectoria de Neil Marshall, lamentando que su prometedora carrera se viera parcialmente truncada en años posteriores. In particular, rememoran el escándalo sexual que involucró a su pareja, la actriz Charlotte Kirk, y a altos ejecutivos de Hollywood, un suceso que ensombreció su estatus en la industria cinematográfica. Con todo, The Descent permanece como un clásico moderno del cine de terror, una joya de la transición entre el celuloide y el formato digital que sigue funcionando con una eficacia espeluznante casi dos décadas después de su estreno.

'Persiguiendo a Amy' (1997): el gran ejercicio de autocrítica "indie" de Kevin Smith

Analizamos la transgresora obra de Kevin Smith que rompió moldes en el cine independiente abordando la sexualidad sin la corrección política actual. En este nuevo podcast de esRadio, Juanma González y Dani Palacios charlan con el dibujante el crítico Carlos M. Mira para analizar en profundidad una de las películas más emblemáticas del cine alternativo norteamericano de los años noventa: Persiguiendo a Amy, escrita y dirigida por el cineasta Kevin Smith en 1997. Los tertulianos comienzan compartiendo anécdotas de sus años de instituto y motes juveniles antes de entrar de lleno en materia cinematográfica. Para el invitado, esta cinta es, sin duda, su favorita del director de Nueva Jersey, destacando su profunda conexión con la Generación X y el estilo característico de producciones de la época. La conversación aborda la complejidad de los personajes principales, interpretados por Ben Affleck (Holden), Jason Lee (Banky) y Joey Lauren Adams (Alyssa). Se destaca el ejercicio de autocrítica masculina que realiza el propio director a través de Holden, un hombre sensible pero cargado de prejuicios e inseguridades que acaba saboteando su propia relación sentimental. Los colaboradores analizan cómo la obra deconstruye los roles de género y expone la vulnerabilidad del hombre ante el amor y el miedo al qué dirán, presentando un contraste brutal entre el cómic comercial de superhéroes y el de corte más independiente. Durante el análisis, se examinan escenas icónicas de la película, como la cruda declaración de amor de Holden a Alyssa dentro de un coche bajo la lluvia. Los tertulianos alaban la interpretación de Ben Affleck en esta etapa de su carrera, así como la magnífica y contenida reacción de la actriz protagonista, cuya mirada transmite una mezcla de dolor, enfado y madurez. El debate resalta el estilo de dirección rudimentaria de la cinta, que se apoya firmemente en los diálogos y en el talento de sus actores más que en el bajo presupuesto con el que contaban. Un punto clave del programa es la comparación del desenlace de Persiguiendo a Amy con el de la oscarizada película La La Land. Los presentadores coinciden en que el final es un ejemplo de maduración personal, donde los protagonistas se reencuentran años después en una convención de cómics y se perdonan mutuamente con una mirada, asumiendo con resignación que su historia de amor ha quedado en el pasado pero que les ha servido para crecer. Asimismo, se comenta el inevitable distanciamiento de la amistad masculina entre Holden y Banky, reflejando una realidad muy habitual en las relaciones humanas cuando se rompen los lazos de juventud. Para concluir, los participantes repasan la trayectoria del célebre director norteamericano, comentando títulos clave de su filmografía como Clerks, Mallrats y producciones posteriores como Jersey Girl o Tusk. También rememoran divertidas anécdotas de la industria, como el curioso rumor de que Michael Mann pudo haber dirigido El Indomable Will Hunting introduciendo bandas latinas en Boston. El programa cierra con la emisión de la canción Alive, interpretada por la propia actriz protagonista en el largometraje, consolidando un nostálgico y entretenido repaso al cine de finales del siglo pasado.

'El Foso y el Péndulo' (1991) y 'Castle Freak' (1995): el arte perdido de Stuart Gordon y Full Moon

Nuevo programa de Par-Impar sobre dos serie B de terror directo a vídeo de los noventa: Castle Freak y El Pozo y el Péndulo, de Stuart Gordon. En esta nueva entrega del podcast de cine Par-Impar en esRadio, Juanma González y Dani Palacios nos sumergen en una sesión doble de auténtico cine de culto y serie B de los años noventa. El programa rinde homenaje al talento del director de culto Stuart Gordon y a la mítica productora Full Moon, capitaneada por Charles Band. A través de un análisis desenfado pero riguroso, los presentadores desmenuzan dos de las obras más singulares y físicas del realizador: El Foso y el Péndulo (1991) y Castle Freak (1995). Ambas películas personifican una época dorada del cine de terror directo a videoclub, donde las limitaciones presupuestarias se suplían con un desbordante ingenio visual y una entrega absoluta por parte de sus actores fetiche. La andadura comienza con El Foso y el Péndulo, una libre adaptación del célebre relato de Edgar Allan Poe que Gordon reformula para adaptarla a su estilo visceral y de terror físico. Ambientada convenientemente en el año 1492, la cinta retrata una visión delirante y lúbrica de la Inquisición española. El gran aliciente de la función es la asombrosa interpretación de Lance Henriksen en el papel de Torquemada, encarnado aquí como un fanático atormentado por sus propias represiones sexuales y delirios de poder. La película baila constantemente entre el terror gótico y un humor negro muy cercano a la parodia, ejemplificado en la hilarante escena del juicio a un esqueleto al que azotan hasta deshacerlo, un momento que los locutores comparan con un sketch de los Monty Python. La producción de este filme cuenta además con curiosidades memorables que enriquecen el anecdotario del programa de esRadio, como el brevísimo pero impagable cameo del legendario actor Oliver Reed interpretando a un enviado del Papa. Según relatan González y Palacios, Gordon le permitió que en sus dos minutos en pantalla se limitara a beber vino real, lo que facilitó enormemente el rodaje. El desenlace de la película, con una bruja que explota tras ingerir pólvora de forma literal, rubrica el tono desenfadado y macabro de una propuesta que, pese a sus costuras de bajo presupuesto, ofrece momentos visualmente potentísimos gracias a la notable dirección artística de la factoría de Charles Band. La segunda parte de este programa doble se traslada a la truculenta atmósfera de Castle Freak (1995), una de las cintas más oscuras y escabrosas de la filmografía de Stuart Gordon. Rodada en el propio castillo medieval que Charles Band poseía en la Umbría italiana, la película está protagonizada por la emblemática pareja del cine fantástico formada por Jeffrey Combs y Barbara Crampton. Aquí encarnan a un matrimonio sumido en una profunda crisis tras una tragedia familiar que hereda la fortaleza, sin sospechar que en sus mazmorras habita un ser deforme y martirizado llamado Giorgio. La crudeza de la propuesta, su sordidez sexual y el dramatismo gótico la convierten en una pieza de culto muy superior a la media de las producciones destinadas al mercado doméstico. Los conductores de Par-Impar analizan pormenorizadamente los elementos de terror físico y psicológico de la película, destacando el trágico trasfondo del monstruo y su perturbadora mutilación genital a manos de su propia madre. Asimismo, especulan con la posibilidad de que directores españoles de renombre dentro del género, como Paco Plaza y Jaume Balagueró, se inspiraran directamente en el aspecto visual de Giorgio para dar forma a la icónica niña Medeiros de la saga cinematográfica Rec. La música del programa concluye con una curiosidad familiar sobre la dinastía Band: la sintonía final corre a cargo de la banda The Calling, cuyo vocalista, Alex Band, es hijo del compositor Richard Band y sobrino del célebre productor de Full Moon.

'La Odisea' (2026) con Javier Negrete: las licencias y polémicas de Nolan

Los cambios del oscarizado director en la epopeya griega indignan a los puristas. Hablamos de este nuevo clásico con el escritor Javier Negrete. En esta nueva entrega del pódcast Par Impar emitida en esRadio, los presentadores Juanma González y Dani Palacios, junto al escritor y especialista Javier Negrete, analizan una muy peculiar adaptación cinematográfica de La Odisea que supuestamente ha dirigido el cineasta Christopher Nolan. Los contertulios destripan esta hipotética superproducción con un tono cargado de humor y crítica, comparando la visión de Nolan con el mito clásico de Homero. La conversación se centra inicialmente en las decisiones técnicas y narrativas de la película, destacando el uso obsesivo del formato IMAX por parte de Nolan. Este sistema, aunque visualmente imponente, dificulta enormemente la filmación de las coreografías de combate en espacios cerrados. Los presentadores comparan este estilo con el de la película Troya, dirigida por Wolfgang Petersen, donde los enfrentamientos entre Brad Pitt y Eric Bana alcanzaron una cota de realismo y espectacularidad difícil de superar. Uno de los temas clave del debate es la representación de la ley de Zeus o la hospitalidad griega (xenia), un elemento sagrado en los poemas homéricos. El invitado Javier Negrete, autor de la novela Odisea editada por HarperCollins, explica cómo en la película de Nolan este concepto se simplifica para convertirlo en una suerte de justificación moral para la matanza final de los pretendientes, adaptándolo al estilo oscuro y denso del director. En cuanto al reparto, destaca la elección de Matt Damon para encarnar a un Ulises que se aleja del héroe astuto clásico para mostrarse como un soldado traumatizado y consumido por la culpa tras la caída de Troya, un enfoque muy en la línea de producciones como Oppenheimer. La actriz Anne Hathaway asume el papel de Penélope, logrando dotar de gran carga dramática a sus escenas frente a un joven Telémaco interpretado por Tom Holland. La película no escatima en licencias creativas y polémicas, como la inclusión del personaje de Sinón, interpretado por Elliot Page, que pertenece en realidad al ciclo troyano de la Eneida de Virgilio. Por su parte, la actriz Zendaya da vida a una Atenea que en esta versión no es una deidad física, sino una representación psicológica de la mala conciencia del protagonista, un recurso muy habitual en la filmografía de Nolan. La mitología fantástica se reinterpreta bajo un prisma de terror y ciencia ficción. El Cíclope es retratado como un gigante mutante con una deformidad ocular vertical, un diseño que combina efectos prácticos con CGI y que recuerda al Grendel de la película Beowulf de Robert Zemeckis. Del mismo modo, la escena de Circe —interpretada por Samantha Morton— se transforma en un pasaje de body horror donde los hombres se convierten en cerdos mediante impactantes efectos físicos. Finalmente, el análisis de la secuencia de las Sirenas y el regreso a Ítaca desvela la maestría de Nolan en el uso del recurso sonoro, ensordeciendo el ambiente para resaltar la música mientras los marineros usan cera en los oídos. Para cerrar la emisión, los presentadores repasan otras adaptaciones populares de la obra, como la comedia O Brother, Where Art Thou? de los hermanos Coen o la mítica versión teatral de El Joglars en los años setenta, concluyendo que esta original propuesta consigue acercar la literatura clásica al gran público.

'Obsession' (2026) y todas las locas teorías sobre Inde Navarrette (incluida la del gato)

Analizamos los rumores más delirantes que circulan en redes sobre el reparto del largometraje de suspense de moda este año. En esta entrega del podcast de cine de esRadio, los presentadores Juanma González y Dani Palacios se adentran en el análisis de una de las películas más comentadas del año, Obsession. Con un presupuesto ajustado de menos de un millón de dólares, esta producción se ha convertido en el gran pelotazo del año, acumulando más de 400 millones en recaudación mundial tras su reciente estreno en streaming en Estados Unidos. La trama sigue a Bear, un joven con escasas habilidades sociales y que arrastra una profunda tristeza en la casa de su recién fallecida abuela. Bear está perdidamente enamorado de su compañera de trabajo, Nikki, y no sabe cómo expresarle su amor. Aconsejado por su amigo Ian de una manera no muy sincera, Bear decide usar un sauce de los deseos para pedir que Nikki se enamore de él. Para sorpresa de todos, el deseo se cumple, desencadenando una espiral donde Nikki, bajo el influjo del conjuro, pasa de ser ella misma a una versión obsesionada y dependiente de Bear. Los locutores analizan las distintas interpretaciones de la película y las teorías que circulan por internet, entre ellas la curiosa teoría del gato y la idea de que Nikki no está poseída por una persona sino por el propio sentimiento de Bear. Asimismo, destacan la riqueza de la cinematografía y los códigos de lenguaje visual inspirados en redes sociales como YouTube y TikTok, además de la excelente banda sonora de Rock Burgwell que aporta una atmósfera de ensoñación al filme. El filme también destaca por su metáfora sobre las relaciones tóxicas y la dependencia emocional, explorando el terror no solo desde lo sobrenatural, sino desde situaciones cotidianas. El podcast concluye recomendando la película, alabando el trabajo de los actores y destacando cómo ha conectado de manera especial con la generación Z, convirtiéndola en una de las sorpresas cinematográficas del año.