Lo que se viene en el Mad Horror con Mike Hostench + Las películas de terror que cumplen años en 2026

Lo que se viene en el Mad Horror con Mike Hostench + Las películas de terror que cumplen años en 2026

Hablamos del festival Mad Horror que tendrá lugar en Madrid (y las películas de terror que cumplen aniversario este 2026) Los presentadores de esRadio, Dani Palacios y Juanma González, introducen un episodio nostálgico situado en junio de 2026, centrado en los aniversarios de emblemáticas películas de terror y la llegada de un nuevo gran evento a Madrid: el festival Mad Horror. Para hablar de este hito para el sector del cine, reciben a Mike Hostench, quien fuera codirector del Festival de Sitges durante dos décadas y que ahora pilota este ambicioso proyecto. Hostench explica que el festival está diseñado para combinar una convención de terror—con firmas de talentos, puestos de cómics y videojuegos—con un festival de cine boutique. La selección cinematográfica contará con lo mejor de certámenes prestigiosos como Sitges, el Fantastic Fest de Austin y el Midnight Madness de Toronto. Entre lo más destacado se encuentran diez largometrajes nuevos y diversos homenajes que traerán una experiencia única a la capital de España. El festival cuenta con un impresionante plantel de figuras legendarias invitadas, entre las que destacan Robert Englund, Linda Blair y Malcolm McDowell. Además, el certamen albergará tres grandes exposiciones: una dedicada al universo de la película Aliens, el regreso, que cumple 40 años; otra enfocada en la oscarizada empresa de efectos DDT; y una tercera que rinde tributo al maestro del terror español, Chicho Ibáñez Serrador. El evento también dispondrá de zonas experienciales, incluyendo tres túneles del terror—dos de ellos inspirados en el manga y el anime japonés—escape boxes y videojuegos. Hostench y los presentadores debaten sobre cómo el género de terror ha salvado históricamente a la industria cinematográfica en épocas de crisis, citando su capacidad para triunfar con presupuestos moderados y sin necesidad de contar con estrellas de Hollywood excesivamente caras. La conversación se traslada después a las efemérides históricas que se cumplen en 2026. Celebrando su 50.º aniversario se encuentra la obra maestra española ¿Quién puede matar a un niño?, dirigida por Serrador. También destacan los 40 años de Aliens, el regreso (1986) y de La mosca de David Cronenberg, enfatizando el impacto de estas películas en la evolución de los efectos especiales y la definición de géneros. El terror español ocupa un lugar central en la retrospectiva, destacando el 30.º aniversario de Tesis, la brillante ópera prima de Alejandro Amenábar, y los 25 años de Los otros y de la obra de Guillermo del Toro, El espinazo del diablo. Los locutores recuerdan también el enorme éxito internacional de Darkness, dirigida por Jaume Balagueró, que llegó a recaudar más de 22 millones de dólares en las taquillas de Estados Unidos. Por último, rememoran otros títulos de culto como El día de la bestia (1995), de Álex de la Iglesia, que tuvo una mítica andadura en el Cine Rex de Madrid, y No profanar el sueño de los muertos de Jorge Grau. También repasan rarezas extremas como Sardu o Street Trash, concluyendo que el cine fantástico y de terror patrio sigue siendo una potencia vibrante y respetada internacionalmente.

'Four Rooms' (1995) con Rodrigo Sopeña: un 'atasco' de historias cortas

El podcast 'Par Impar' analiza con el realizador la nueva entrega de su comedia en Prime Video y el mítico filme coral de Tarantino y Rodriguez. En este nuevo episodio del podcast Par Impar, los presentadores Juanma González y Dani Palacio reciben una vez más al director y guionista Rodrigo Sopeña. La excusa para esta reunión es doble: por un lado, comentar la cuarta temporada de su aclamada serie de comedia Atasco, disponible en la plataforma Prime Video; por otro, analizar una de las películas episódicas más emblemáticas de la década de los noventa, la gamberra y mítica Four Rooms (1995). El primer gran bloque de la charla se centra en la producción de Atasco. El director comparte con los oyentes los secretos de la grabación de la cuarta entrega, destacando de manera muy especial el estelar cameo del periodista Juanma Rodríguez, popular colaborador del grupo Libertad Digital y presentador en esRadio. Sopeña relata con humor cómo tuvieron que tratar a Rodríguez como a una auténtica estrella de Hollywood debido a su arrolladora y divertida personalidad. Otra de las genialidades de casting comentadas de la serie de esRadio es la incorporación del humorista Félix el Gato interpretando al mismísimo papa de Roma. Se trata de un rol enteramente gestual y silencioso que parodia las apariciones públicas del pontífice a bordo de un peculiar papamóvil de fabricación nacional. Este segmento sirve para que Sopeña explique cómo ha querido sacar la cámara del atasco físico por primera vez en la serie, expandiendo el universo de la ficción hacia exteriores. El núcleo cinéfilo del programa se dedica al despiece de Four Rooms, una película de culto de 1995 que entrelaza cuatro relatos independientes dirigidos por cuatro de los directores más prometedores del cine independiente americano de la época: Allison Anders, Alexandre Rockwell, Robert Rodriguez y Quentin Tarantino. El nexo de unión de todas las historias es el botones Ted, interpretado de forma histriónica por Tim Roth. Los podcasters y su invitado analizan pormenorizadamente cada habitación de este peculiar hotel Mon Signor. El primer capítulo, dirigido por Allison Anders y protagonizado por Madonna, es calificado de forma unánime como el más flojo y forzado, ya que apenas aprovecha el entorno del hotel. El segundo segmento, de Alexandre Rockwell, introduce al espectador en un juego de sumisión y celos bastante incómodo que, no obstante, mantiene un tono de extrañeza muy acorde al espíritu experimental del filme. El gran triunfador de la película es, sin duda, el tercer episodio, escrito y dispuesto por Robert Rodriguez y protagonizado por un divertidísimo Antonio Banderas en el papel de un mafioso chapado a la antigua. Esta sección es ensalzada como una obra maestra del slapstick y la comedia de dibujos animados al estilo de Tex Avery. El ritmo frenético y las soberbias actuaciones de los niños consiguen extraer carcajadas constantes. Por último, el cierre de la película corre a cargo de Quentin Tarantino, quien filma un plano secuencia larguísimo repleto de sus característicos e interminables diálogos sobre la cultura popular. El segmento, inspirado en un famoso episodio de la serie televisiva Alfred Hitchcock Presents, destaca por su magistral manejo de la tensión antes del estallido del gag final. Como curiosidad, Sopeña y González comentan los breves cameos de actores como Bruce Willis. De vuelta al análisis de Atasco, Sopeña aprovecha para elogiar el trabajo de otros integrantes del reparto, como el actor Diego Martín, quien asume un sorprendente papel dramático como director de orquesta que contrasta radicalmente con sus habituales papeles cómicos. También se destaca el debut actoral en la ficción de la célebre astróloga Esperanza Gracia, así como las delirantes aportaciones de cómicos de la talla de Raúl Cimas. Para finalizar, el podcast cierra con una excelente selección musical que incluye tanto el tema Vertigogo de la banda sonora de Four Rooms como Drop in the Bucket, la sintonía que acompaña a los créditos de Atasco. Los participantes se despiden emplazando a los oyentes a una futura quinta temporada de la serie y a nuevos debates cinematográficos llenos de nostalgia y buen humor.

'¡Sufre, mamón! (1987)', la película de los Hombres G que hoy sería censurada

La tertulia de esRadio reivindica el brillante legado de Manuel Summers y el humor irreverente que consagró al cuarteto pop. En esta nueva entrega del programa Par Impar, los presentadores Juanma González y Dani Palacios viajan en el tiempo hasta el año 1987 para analizar uno de los mayores fenómenos de la cultura pop española: la película Sufre Mamón. Para este viaje nostálgico, cuentan con la participación del crítico Gonzalo Contreras, un apasionado seguidor del grupo Hombres G y colaborador habitual del espacio. Durante la charla, se repasa la importancia de aquel año en el que, a pesar de competir en las pantallas con superproducciones internacionales de la talla de Atracción Fatal, Los Intocables o Arma Letal, el verdadero rey de la taquilla en España fue el largometraje musical protagonizado por la célebre banda liderada por David Summers. Los integrantes del podcast coinciden en que Hombres G no es solo un grupo musical, sino un pilar fundamental para entender la música popular española. Su capacidad para conectar con el público ha trascendido generaciones, logrando que tanto los jóvenes de la época como las nuevas hornadas de oyentes conozcan al dedillo himnos como Devuélveme a mi Chica o Venezia. Los ponentes comparan el calado de sus canciones con el de mitos internacionales como los Beatles o David Bowie, señalando que la banda madrileña posee al menos una quincena de temas atemporales que forman parte del patrimonio emocional de millones de personas, independientemente de sus gustos musicales particulares. Uno de los aspectos más analizados en el programa es la figura del director del filme, Manuel Summers, padre de David Summers. El cineasta, a menudo infravalorado por la crítica de su tiempo por su transición hacia un cine más comercial, es reivindicado en la tertulia como un creador brillante y un cronista excepcional de la sociedad de su época. A lo largo de su carrera, Summers destacó no solo en el ámbito cinematográfico, sino también en el humor gráfico y la sátira en publicaciones históricas como La Codorniz o Hermano Lobo. Su habilidad para conectar con las masas se tradujo en éxitos colosales de taquilla, convirtiendo películas como Adiós, Cigüeña, Adiós o La Niña de Luto en auténticos hitos sociales. Durante el coloquio, se destaca el marcado contraste entre la propuesta estética de Hombres G y la sofisticación de la movida madrileña. Mientras que formaciones como Alaska y los Pegamoides o Radio Futura apostaban por una cuidada puesta en escena de influencia punk y vanguardista, Hombres G irrumpió con una imagen de sencillez absoluta, vistiendo vaqueros y polos normales. Esta aparente falta de pretensiones, sumada a unas melodías frescas y directas que hablaban de problemas cotidianos, supuso una revolución de buen rollo que sintonizó de inmediato con el sentir de una juventud que buscaba divertirse sin excesivas complicaciones intelectuales. El análisis de Sufre Mamón, actualmente disponible en la plataforma Netflix, se detiene en varias de sus escenas más gamberras, cuya incorrección política las haría hoy del todo impensables. Los tertulianos recuerdan entre risas las bromas pesadas gastadas a los sacerdotes del colegio católico, el desternillante destino del mono teñido de verde o el descontrol en las aulas con el lanzamiento de palomas, perros y gatos. Estas secuencias, que beben directamente del espíritu de las comedias adolescentes americanas al estilo de Porkys, reflejan una época de libertad creativa y un sentido del humor irreverente que hoy en día difícilmente superaría los filtros de la censura social contemporánea. La película también destaca por la genialidad de sus personajes secundarios, entre los que sobresale el villano de la función, Ricky Lacoste. Interpretado de forma hilarante por un primo de David Summers, este personaje encarna al típico pijo arrogante que intenta robarle la novia al protagonista, Marta, papel interpretado por Marta Madruga, pareja real del cantante en la vida real. El grupo rememora con humor la escena del concierto en la que Ricky canta la hilarante balada Piensa en mi Almohada mientras el público le abuchea al grito de idiota y gilipollas, un momento que consagra el tono festivo y autoparódico de una producción que no se tomaba a sí misma demasiado en serio. Para finalizar, los participantes del programa de esRadio analizan la evolución del grupo tras el estreno de la secuela Suéltate el Pelo en 1988 y su posterior separación en 1993. Su regreso triunfal en 2003 con el disco Peligrosamente Juntos y el éxito del sencillo Lo Noto demostró que el fenómeno fan seguía plenamente vigente, uniendo a padres e hijos en conciertos multitudinarios. Esta capacidad de resistencia al paso del tiempo consagra a Hombres G como una leyenda viva de la historia del pop en España, un grupo cuya música sigue despertando una profunda y alegre nostalgia en varias generaciones de españoles.

'El Tren del Infierno' (1985), la joya desconocida de la Cannon que escribió Kurosawa

En este nuevo Par-Impar la conversación se centra en El Tren del Infierno, un thriller de 1985 con guion del mismísimo Akira Kurosawa. En esta nueva entrega del podcast de cine de esRadio, Par-Impar, Juanma y Dani comentan la película de Andrei Konchalovski El tren del infierno, un thriller norteamericano sobre dos presos que se fugan de un penal de Alaska y acaban donde no deberían: siendo los únicos pasajeros a bordo de un tren descontrolado que amenaza con descarrilar a cada momento.

'Alas de mariposa' y 'La madre muerta' con Juanma Bajo Ulloa, y el precio de ser independiente en España

El director de 'Airbag' reivindica la libertad creativa en esRadio frente a la censura ideológica y la uniformidad de las plataformas. En este episodio de esRadio, Juanma González y Dani Palacios reciben al aclamado cineasta vitoriano Juanma Bajo Ulloa en una charla que destila amor por el séptimo arte y una ácida crítica a la deriva ideológica de la industria actual. El programa arranca con una irónica reflexión sobre las subvenciones estatales al cine, evidenciando cómo el sistema imperante premia la docilidad ideológica y los perfiles normativos en detrimento del verdadero talento independiente. Este contexto sirve como marco idóneo para analizar la trayectoria de un director que siempre se ha negado a someter su visión artística a los dictados del poder político y cultural. El motivo principal del encuentro es el lanzamiento por parte de la distribuidora de las cuidadas ediciones en formato Blu-ray de sus dos primeras y laureadas películas, Alas de mariposa y La madre muerta. Bajo Ulloa defiende un cine con alma, concebido como una experiencia terapéutica y personal que busca remover los sentimientos del espectador. El realizador critica duramente la uniformidad del pensamiento único que impera en las producciones contemporáneas de plataformas de streaming como Netflix, las cuales, a su juicio, entregan productos planos y masticados que anulan la capacidad de interpretación del público a través de predecibles manuales de instrucciones morales. La conversación se detiene detalladamente en su último trabajo, El mal, una obra que ha logrado mantenerse en cartelera durante meses en salas independientes como el Pequeño Cine Estudio de Madrid gracias al boca a boca y al empeño de su autor por conectar con la audiencia. El cineasta se muestra implacable al analizar el secuestro de la cultura por parte de la corrección política y las directrices de la Agenda 2030. Denuncia que el actual cine de subvención no busca la belleza ni la catarsis, sino la propaganda y el cumplimiento de cuotas ideológicas que promueven el sectarismo y el victimismo. Esta censura sutil pero implacable ha provocado que incluso el cine familiar se vea colonizado por consignas políticas, privando a las nuevas generaciones de una fantasía en libertad y de historias que desafíen su intelecto en lugar de adormecerlo. Al rememorar el arrollador éxito de Airbag, su película más taquillera, Bajo Ulloa destapa las miserias de una industria que nunca le perdonó aquel triunfo incontestable. Revela que el proyecto pudo salir adelante al margen del sistema tradicional de financiación gracias al mecenazgo de pelotaris y cocineros vascos, lo que le garantizó una absoluta libertad creativa. La respuesta de las élites culturales y la prensa de izquierdas ante este éxito popular fue el vacío y el ninguneo, demostrando que en el panorama cultural se castiga con saña a quien se atreve a triunfar sin pasar por el aro de los comisarios políticos de turno. Fiel a su estilo, el director detalla los elementos que configuran su universo visual, caracterizado por un tono gótico y atemporal donde evita conscientemente la tecnología moderna para construir verdaderas fábulas cinematográficas. Analiza la maestría de su planificación en escenas míticas de La madre muerta, donde el suspense, el humor negro y la sordidez se entrelazan de manera magistral. Reivindica la importancia de la composición formal y el montaje frente a la desidia técnica de las realizaciones actuales, asegurando que cada plano debe poseer una función expresiva única que atrape la mirada del espectador. La entrevista concluye con una interesante comparación entre el cine de Bajo Ulloa y el aclamado cine coreano contemporáneo de directores como Park Chan-wook, creador de Oldboy, destacando la asombrosa afinidad que comparten en el uso del suspense mezclado con la tragedia y el humor salvaje. El broche de oro musical lo pone el videoclip de la canción Problemas de la mítica banda de rock Barricada, dirigido en su día por el propio Bajo Ulloa. En un emotivo tramo final, el cineasta asume con orgullo el elevado peaje de su coherencia artística, prefiriendo la marginación del sistema antes que renunciar a su libertad, recordándonos que el verdadero arte siempre será indomable y ajeno a los dictados de cualquier ingeniería social de corte estatal.