Punto Muerto

Michael Jackson - Bad

Según la opinión generalizada, Michael Jackson alcanzó su apogeo artístico con Off the Wall (1979) y Thriller (1982), y Bad (1987) marcó el inicio de un declive lento pero constante. Sin embargo, este periodo de intensa creatividad es mucho mejor de lo que su reputación sugiere. Bad contiene más clásicos del pop que la mayoría de las recopilaciones de grandes éxitos, un repertorio más amplio del que algunos recuerdan y una estética visual innovadora que consolida el legado de Jackson como la primera superestrella genuina de la era del videoclip. Sin duda, lanzar un álbum tras el éxito de Thriller fue una tarea titánica (aproximadamente 38,5 millones de copias vendidas en su momento, siete premios Grammy y siete sencillos en el Top 10 de Billboard), pero Jackson disfrutaba compitiendo consigo mismo, tanto a nivel comercial como artístico. En esta ocasión, su audaz visión era crear un álbum pop que vendiera 100 millones de copias e incorporara sonidos nunca antes escuchados. Con estos ambiciosos objetivos en mente, Jackson compuso más de 60 canciones, con la intención de lanzar 33 de ellas en un álbum triple. El productor Quincy Jones, aunque entusiasmado con la llegada de nuevo material prometedor, sugirió que lo redujera a un solo LP que ofreciera a sus oyentes la máxima intensidad. Entonces, tras cinco años de ausencia, ¿podría Michael Jackson volver a revolucionar el mundo del pop? La respuesta fue un rotundo sí. - En su búsqueda por alcanzar nuevas cotas en el pop, Bad combina la tecnología de estudio más avanzada de la época con melodías irresistibles que provocan movimientos de cabeza y cadera en señal de aprobación. La perfecta fusión de electrónica vibrante y soul clásico en «The Way You Make Me Feel» evoca el espíritu de «P.Y.T. (Pretty Young Thing)». «Es un ritmo shuffle realmente intenso», comentó el tecladista Greg Phillinganes. «Recuerdo lo mucho que me divertí grabando esas partes sincopadas, la línea de bajo, todo eso, y viendo la expresión en la cara de Michael: esa gran sonrisa que significaba que lo habías conseguido». Según se cuenta, «Speed Demon», escrita después de que Jackson recibiera una multa por exceso de velocidad camino al estudio, fusiona voces potentes, líneas de bajo vertiginosas y el rugido de los motores en un funk con viento de frente que te hará vibrar. - “Just Good Friends”, con la colaboración de Stevie Wonder, puede ser el capítulo menos interesante del álbum, pero mezcla sintetizadores alegres y cierto pop adolescente de Motown en una adaptación de “The Girl Is Mine” de Thriller. “Another Part of Me”, es un brillante torbellino de synth-funk, metales de jazz y luces de neón. Curiosamente, este enérgico tema bailable casi pierde su lugar en la lista final frente a la favorita de los fans, “Streetwalker”, pero Jones tomó la decisión correcta al convencer a Jackson de mantenerlo en Bad, ya que se disparó al número 1 y al número 11 en las listas de R&B y pop de Billboard, respectivamente. - Complementando esos ritmos contundentes, Jackson se muestra dispuesto a brindar a sus colaboradores de primer nivel la oportunidad de sacar lo mejor de él con su aporte creativo. Gran parte del mérito corresponde a los excelentes músicos John Barnes, Chris Currell y Paulinho Da Costa, cuyos sintetizadores envolventes, percusión tribal y sitares vibrantes realzan el brillo exótico de "Liberian Girl". La voz principal y los coros de Jackson son sinceros y rebosan sentimiento mientras exalta la belleza africana, algo poco común en el ámbito del pop comercial. "Toda su música es tan diferente", explicó Quincy Jones. "Es decir, 'Liberian Girl', ¿a quién se le ocurriría algo así? Es increíble. Solo las imágenes y todo lo demás. Es una fantasía asombrosa". Cuenta la leyenda que Jackson y Jones consideraron a las reconocidas vocalistas Barbra Streisand, Aretha Franklin y Whitney Houston como posibles compañeras para un dueto en "I Just Can't Stop Loving You". Al no poder contar con ninguna de ellas, Jones reclutó a la relativamente desconocida Siedah Garrett (coautora de “Man in the Mirror” con Glen Ballard), quien no supo de su nuevo papel hasta el día de la grabación. A pesar de la compleja génesis de la canción, su deslumbrante química vocal está tan bien ejecutada que evoca recuerdos de la época dorada de Marvin Gaye y Tammi Terrell. - La feroz “Dirty Diana” profundiza en la naturaleza depredadora de “Billie Jean” al sumergirse en el abismo de pesadilla del fanatismo por las celebridades. Cuando la groupie del título percibe la resistencia de Michael (“Mi chica está en casa, probablemente esté preocupada esta noche”), le lanza una punzante frase a su novia por teléfono (“No va a volver porque se acuesta conmigo”). En el vertiginoso clímax de la canción, Jackson estalla en una ráfaga de gritos mientras Steve Stevens, guitarrista de Billy Idol desde hace mucho tiempo, ofrece un solo electrizante que resuena como un relámpago en un cielo ennegrecido. En un álbum repleto de canciones extraordinarias, «Man in the Mirror» es el pilar emocional y un ejemplo impresionante de la grandeza de Bad cuando todo encaja a la perfección. Este himno inspirador de gospel y pop reflexiona sobre la insensibilidad de la sociedad ante el sufrimiento ajeno («Veo a los niños en la calle sin suficiente para comer / ¿Quién soy yo para ser ciego? Fingiendo no ver sus necesidades»). Mientras estas imágenes desgarradoras conmueven, Jackson y el impresionante coro de Andraé Crouch invitan a ser parte de la solución («Si quieres hacer del mundo un lugar mejor, mírate a ti mismo y cambia»). Rolling Stone elogió posteriormente su interpretación de la canción en los Premios Grammy de 1988, calificándola de «majestuosa y definitiva, como el moonwalk de Motown en su 25 aniversario». Puede que Michael no haya escrito «Man in the Mirror», pero su implicación emocional la convierte en una canción tan ligada a su vida como ninguna otra que haya grabado. - Bad no solo transformó el panorama del pop a través de su música, sino también de su estética, con una serie de innovadores cortometrajes que siguen siendo profundamente influyentes y sumamente ambiciosos. Inspirada libremente en la trágica muerte de Edmund Perry, la historia de "Bad" gira en torno al personaje de Jackson, Daryl, quien celebra el final del semestre escolar antes de regresar a su barrio marginal de Harlem. Sus viejos amigos del barrio (liderados por un joven Wesley Snipes) se burlan de él por su elocuencia y lo incitan a unirse a su banda de atracadores. Cuando Daryl se niega a participar en el plan de robar a un anciano, lo acusan de no estar a su altura. "¿Eres malo [negro] o qué?", pregunta Snipes. La forma en que Daryl/Jackson responde a esta pregunta —con la ayuda del aclamado cineasta Martin Scorsese y el galardonado novelista Richard Price— resulta fascinante, ya que reinventa las posibilidades de la identidad negra, desde las camperas de cuero hasta los movimientos de ballet callejero de West Side Story. Puede que algunas de las obras más grandes y llamativas de Jackson eclipsen a "Bad", pero es una de sus creaciones esenciales, con una conciencia social optimista que merece ser objeto de debate académico. - El sarcasmo es una poderosa herramienta que Jackson utiliza en "Leave Me Alone", desafiando abiertamente el sesgo manifiesto e insidioso de los paparazzi. La enorme popularidad de Jackson prácticamente lo obligó a retirarse de la vida pública en 1987, lo que generó una profunda desconfianza hacia los medios y una tormenta de rumores extravagantes, algunos de los cuales él mismo orquestó para ser ligeramente excéntricos, mientras que otros causaron gran revuelo. El director Jim Blashfield, conocido por su animación stop-motion en "And She Was" de los Talking Heads, pasó tres días filmando a Michael con una cámara de 35 mm antes de que su equipo de animadores cortara y superpusiera cientos de imágenes durante un agotador período de nueve meses. El producto final sumerge a la estrella en un laberinto de rumores sensacionalistas: cantando desde una cámara hiperbárica de oxígeno, paseando por un santuario dedicado a Elizabeth Taylor y actuando junto a los huesos del Hombre Elefante, antes de que un Jackson a tamaño real destruya el ambiente carnavalesco que una vez lo aprisionó (al estilo de Los viajes de Gulliver de Jonathan Swift). A pesar de su imaginación cinematográfica y su autoparodia, «Leave Me Alone» resalta el absurdo que, lamentablemente, marcó la vida de Jackson. - Aunque «Thriller» suele considerarse la mejor obra de teatro musical jamás concebida para una canción pop, es hora de admitir que «Smooth Criminal», dirigida por Colin Chilvers, es igual de significativa. Luciendo ese impecable traje blanco con un misterioso brazalete que acompañó casi durante el resto de la vida de Michael. Deslumbrando al público al introducir una moneda sin esfuerzo en la máquina de discos iluminada con neón. Inventando un vocabulario de baile que sintetice los movimientos clásicos de Fred Astaire, el vibrante juego de pies de James Brown y la alocada animación de los Looney Tunes, todo a la vez. Presentando una inclinación antigravedad de gánster antes de empuñar una ametralladora Tommy de época justo cuando su captura parece inminente. Además de todo eso, estos elementos sirven como pieza central de su largometraje de 1988, Moonwalker, así como de un videojuego arcade de SEGA del mismo nombre. Una intrincada mezcla de musicales de la MGM y cine negro detectivesco, "Smooth Criminal" es, si no el espectáculo definitivo de Michael Jackson, sin duda está entre los mejores. Como capítulo final de la saga de Michael Jackson y Quincy Jones, Bad estableció un nuevo estándar de oro para la música pop y el entretenimiento. Comercialmente, el álbum vendió 45 millones de copias en todo el mundo, produjo cinco sencillos consecutivos número uno en Estados Unidos ("I Just Can't Stop Loving You", "Bad", "The Way You Make Me Feel", "Man in the Mirror" y "Dirty Diana") y dominó las listas de éxitos en otros 25 países. Sin embargo, el mayor logro de Bad es la floreciente creatividad de Michael Jackson; no solo coprodujo todo el álbum, sino que también escribió nueve de las once canciones y obtuvo reconocimiento mundial como el artista visual más importante de la música con un premio MTV Video Vanguard en 1988. Las comparaciones con Off the Wall y Thriller son irrelevantes, excepto por esta: Bad es una obra maestra del pop puro que se sitúa a la par de sus predecesores clásicos y, en ocasiones, los eclipsa.

Michael Jackson - Thriller

Thriller. Tan solo mencionar el álbum evoca una serie de imágenes icónicas y estadísticas que batieron récords. Es el álbum más vendido de todos los tiempos. Permaneció un récord de 37 semanas en el número 1 (incluyendo dos rachas consecutivas de 17 semanas). Fue el álbum más vendido del año durante dos años consecutivos, en 1983 y 1984. Fue el primer álbum en generar 7 sencillos en el Top Ten. Ayudó a Michael Jackson a establecer un récord de premios GRAMMY en una sola noche con ocho estatuillas. Sus videos transformaron lo que podían ser los clips promocionales y rompieron las barreras raciales de la incipiente MTV; evocando imágenes de calles iluminadas, camperas de cuero de colores, zombis bailando, medias brillantes, guantes blancos con lentejuelas y moonwalks. Se convirtió en el modelo a seguir para alcanzar el éxito, superando las ventas conjuntas del resto de los álbumes del Top 10 de todos los tiempos. Como dijo Quincy Jones, "salvó a la industria discográfica" y catapultó a Michael a la cima del estrellato. Pero antes de todo eso, antes de los premios y los elogios, simplemente existía Thriller, el sucesor del emblemático álbum Off The Wall (1979) de Jackson. Jackson, que ya no era considerado solo el niño prodigio de The Jackson 5 que escuchábamos al principio, había demostrado ser un artista solista vibrante y consolidado con su innovador éxito que desafió la música disco. - Con Thriller, Jackson quería seguir impulsando su creatividad. Su objetivo era crear un álbum que no estuviera limitado por clasificaciones de género basadas en prejuicios raciales ni por la difusión radiofónica. Quería un álbum donde cada canción fuera un éxito rotundo: un álbum de puro Thriller, sin relleno, por así decirlo. Jackson se reunió con el productor Quincy Jones y el ingeniero Bruce Swedien en los estudios Westlake el 14 de abril de 1982 para comenzar a trabajar en Thriller. La primera canción grabada, y que finalmente se convertiría en el primer sencillo del álbum, fue el famoso dúo entre Paul McCartney y Jackson, "The Girl Is Mine", una canción melódica y agradable que, si bien era encantadora, no presagiaba el éxito arrollador que estaba por venir. Tras un largo descanso, Jackson y su equipo regresaron al estudio a finales de año y retomaron el trabajo en el nuevo álbum. Las sesiones se prolongaron hasta el 8 de noviembre y en ellas el equipo redujo una colección de treinta canciones (que Jones había inflado hasta los cientos) a las nueve finales que conformarían el álbum definitivo. Cuando Thriller debutó el 30 de noviembre de 1982, los ecos de Off The Wall y del álbum más reciente de los Jackson, Triumph (1980), cumplieron con las expectativas de los compradores. Con "The Girl Is Mine" en el Top 10, muchos se preguntaron si era un indicio de la nueva dirección que Jackson estaba tomando. Una cosa era segura: esto no era el "Don't Stop Til You Get Enough Part II" que muchos esperaban. En retrospectiva, "The Girl Is Mine" podría haber sido el primer sencillo de sacrificio para lanzar el gran dúo y dejar espacio para lo que estaba por venir. - Al sonar Thriller, una sucesión vertiginosa de tres éxitos marcó el comienzo de una nueva era para Jackson. Cualquier temor sobre si estaba abandonando el funk pronto se disipó al ritmo enérgico y la hipnótica línea de bajo de "Wanna Be Startin' Somethin'" que llenaron el ambiente. Cargada de energía, se percibe una urgencia palpable, como si Jackson estuviera ansioso por escuchar Thriller. Con cada verso de "Startin' Somethin'", se incorporan más adornos instrumentales: metales que perforan las líneas melódicas, sintetizadores que giran y palmas percusivas que resuenan. La combinación eleva la canción a otro nivel con cada nuevo estribillo. Jackson canta sobre un mundo ávido de chismes, que se deleita con rumores e insinuaciones (incluso dedicando un verso a abordar el tema del embarazo adolescente). Curiosamente, la primera vez que la escuchaste fue por la mención de "Billie Jean" en una breve aparición lírica que se desarrollaría más adelante en varias canciones. La voz de Jackson es mordaz, intensa e incluso burlona en el puente, donde canta: "Eres un vegetal / Se alimentan de ti". Para rematar esta épica introducción, Jackson cambia el tono, pasando de la paranoia y la persecución a la esperanza y el empoderamiento, mientras la canción alcanza su clímax con un cántico (ahora frecuentemente sampleado) que la eleva a otro nivel, convirtiéndola en una de las mejores canciones de apertura de un álbum en la historia de la música pop. - Como ya había hecho con Off The Wall, Jackson complementa sus propias creaciones con canciones de compositores externos, entre ellos Rod Temperton. Temperton terminó contribuyendo con tres temas, incluyendo el ritmo funk-soul de “Baby Be Mine” (que acabamos de escuchar), donde Jackson muestra una voz más desenfadada que en el resto del álbum. La producción, y en especial la voz de Jackson, elevan la canción por encima de lo que cabría esperar en un álbum de un artista menos talentoso. Junto con “The Girl Is Mine” en la secuencia, el impulso generado por “Wanna Be Startin’ Somethin’” disminuye un poco antes de repuntar con el épico tema que cierra la primera cara del disco. Es difícil no evocar las imágenes del emblemático cortometraje en cuanto se escucha el inicio de “Thriller”, pero antes de que esas imágenes icónicas se grabaran en nuestra memoria colectiva, solo existía este tema pegadizo, aunque peculiar, en medio de un álbum por demás maduro. Originalmente escrita como una melodía optimista llamada "Starlight", la letra fue modificada a petición de Jackson y Jones, quienes consideraron que la canción debía tener un tono más oscuro. Encargado de la tarea, Temperton regresó con esta oda al terror de serie B, y Jackson lo llevó a otro nivel. "Thriller" es a la vez una novedad y una seria candidata para ponerte a bailar. Su ritmo contagioso te atrapa como uno de los espectros de la canción y no te suelta, mientras que la voz de Jackson transmite una sensación de pavor antes de estallar en emoción en el estribillo demoledor. Como cierre de la primera cara del disco, "Thriller" reaviva la emoción con la que comenzó el álbum y te deja ansioso por lo que viene después. - Desde sus primeros toques electrónicas, "Beat It" sonaba diferente a todo lo que habías escuchado de Jackson a lo largo de su carrera. Era más dura. Más cruda. Más visceral. Era rock. Ha desaparecido la suavidad y la dulzura que solían caracterizar su voz, sustituidas por una interpretación más desafiante y afilada. Repleta de estribillos pegadizos y una gran sensibilidad musical, "Beat It" se inspira en el mundo urbano que lo rodea, mientras Jackson transmite la presión de un joven que necesita demostrar su valía en un entorno callejero hostil. Para dar forma a esta audaz incursión en el mundo del rock, llegó la genialidad de combinar la potente voz de Jackson con la destreza rockera de Eddie Van Halen. Los inconfundibles riffs de Van Halen estallan mientras toca la guitarra como un mago, y su solo ahora se siente como una inclusión natural, en lugar de la arriesgada combinación de rock "blanco" con un artista "negro". Una combinación que no solo amplió el panorama musical, sino que también acabó con los formatos de radio segregados. - Si alguna vez existió una canción emblemática de Michael Jackson, sin duda sería la obra maestra sonora que es "Billie Jean". La nitidez del primer compás es asombrosa. Un simple ritmo de un solo paso, pero su impacto tiene tal energía y fuerza que resulta casi irresistible. Y entonces entra el bajo. Con una mezcla de contundencia y profundidad, el bajo recorre la canción con tal potencia sonora que literalmente vibra en los altavoces. Para la mayoría de las canciones, estos dos elementos bastarían para convertirla en un clásico instantáneo, pero musicalmente Jackson aporta tantos detalles que la elevan de ser una de las mejores canciones que grabó a ser una de las mejores canciones jamás grabadas por nadie, sin duda alguna. Desde la interpretación lírica percusiva hasta las ricas armonías, pasando por los coros que contrastan y los tentadores adornos musicales, "Billie Jean" es lo más cercano a la perfección musical que jamás encontrarás. En cada frase, en cada nota, hay algo que capta la atención del oído y lo mantiene entretenido. También desarrolla un motivo lírico que se convertiría en un motivo familiar, y bastante revelador, que presenta las interacciones de Jackson con las mujeres bajo el arquetipo de la femme fatale. ¿Quién iba a imaginar que cuestionar la paternidad podría ser tan pegadizo? Pero ese es uno de los talentos líricos de Jackson: lograr que cantes una canción tan pegadiza, tanto en sus rimas como en su interpretación, que no es hasta mucho después que te detenés a investigar su significado. Junto con «Beat It» y «Wanna Be Startin’ Somethin’», «Billie Jean» muestra una creciente madurez en la composición de Jackson, tanto musical como líricamente, y evidencia cómo su voz se va consolidando en el estilo característico que lo haría famoso (y que a menudo era y es imitado). - Es fácil olvidar el poder de Thriller cuando la mayoría de sus canciones se han convertido en clásicos a lo largo del tiempo. Dicho eso, al reescuchar la inquietante, seductora e íntima "Human Nature", su belleza se revela constantemente. Con la introducción onírica de sintetizadores sutiles y una guitarra seductora, el corazón de "Human Nature" reside en el misterio de la letra y la dulce y etérea interpretación vocal de Jackson. Compuesta por Steve Porcaro, exmiembro de Toto, y el letrista John Bettis, "Human Nature" posee una cualidad melódica etérea que arropa la voz de Jackson mientras flota y se arremolina antes de alzar el vuelo con esas perfectas (e improvisadas) exclamaciones de "¿Por qué?". Parece contradictorio que una canción tan basada en la instrumentación electrónica, con sus envolventes líneas de sintetizador, resuene con una calidez orgánica tan rica. Esta hazaña se debe principalmente a la interpretación vocal de Jackson (especialmente en los coros, que a menudo pasan desapercibidos), que mantiene la canción fresca y actual, y a la melodía embriagadora que parece sacada del futuro. - Con un ritmo contagioso, “P.Y.T”, que acabamos de escuchar, es el tema perfecto para cualquier fiesta. Su dulzura intrínseca le ha permitido mantenerse vigente, y aunque no es excesivamente compleja musicalmente ni vocalmente exigente, tiene la capacidad de mejorar el ánimo y dibujar una sonrisa en el rostro de cualquier oyente. Un momento de dance-pop divertido que no pretende cambiar el mundo, pero que sin duda te hará mover los pies. Rebosante de soul clásico, “The Lady in My Life” es otra muestra de una producción impecable. Seductora y suave, la canción se desarrolla lentamente con la voz sublime y pura de Jackson y sus melodías cautivadoras, y ofrece dos momentos culminantes: el increíble puente y el extenso interludio justo después de la mitad de la canción. Originalmente grabada con algunos versos adicionales, las limitaciones de tiempo en el vinilo obligaron a recortar la canción. Afortunadamente, se sacrificaron los versos para salvar los más de dos minutos de improvisaciones vocales de Jackson en el outro extendido, que demuestran su brillantez como vocalista. Cuando has escuchado las canciones de Thriller tantas veces como temas individuales, es fácil olvidar lo brillantes que funcionan en conjunto. La producción es insuperable y Jackson está en su mejor momento vocal, dando vida a cada tema de una manera cautivadora y encantadora. Tanto si pretendía ser un álbum para todos como si no, Thriller acabó siéndolo. Tan potente y popular que derribó las barreras raciales en la radio y puso la música, no la raza, en el centro de las listas de reproducción y los tocadiscos de todo el mundo. Y más de 40 años después, la recompensa de escuchar esta obra sigue presente.

U2 - Days of Ash

U2 ha vuelto tras una larga pausa con un EP sorpresa de seis canciones, Days of Ash (Días de Ceniza en español), editado justamente el miércoles de ceniza del 18 de Febrero de 2026. En él, abordan temas políticos conflictivos en todo el mundo, como las redadas de ICE (El Servicio de Inmigración y Control de Aduanas de Estados Unidos), las revueltas iraníes, la guerra en Ucrania y los asentamientos israelíes en Cisjordania. “Ha sido emocionante tenernos a los cuatro juntos de nuevo en el estudio durante el último año”, declara Bono en un comunicado. “Las canciones de Days of Ash tienen un tono y una temática muy diferentes a las que incluiremos en nuestro álbum más adelante este año. Estas canciones del EP estaban impacientes por salir al mundo. Son canciones de desafío y consternación, de lamentación. Seguirán canciones de celebración; estamos trabajando en ellas ahora… porque, a pesar de todo el horror que vemos normalizado a diario en nuestras pantallas, no hay nada normal en estos tiempos de locura y exasperación, y debemos hacerles frente antes de poder volver a tener fe en el futuro.” El EP arranca con "American Obituary", dedicado a Renee Good, quien fue asesinada por agentes de ICE en Minneapolis durante una protesta. "Renee Good nació para morir libre", canta Bono. "Madre estadounidense de tres hijos/Séptimo día de enero/Una bala por cada hijo, ¿sabés?”, continúa. En una nueva entrevista con la revista de fans de U2, Propaganda —que se relanza como una revista digital única y también estará disponible en formato impreso en ciertas tiendas del hemisferio norte, claro está, Bono habla de la canción. “El ritmo de la letra es un guiño a una de mis canciones favoritas de Bob Dylan, ‘It’s Alright Ma (I’m Only Bleeding)’”, dice. “En esa canción, el niño le canta a la madre, y en la nuestra, la madre le canta a sus hijos: ‘Te amo más de lo que el odio ama a la guerra’.” - “The Tears of Things”, una joya que nos regala U2 ya en 2026, toma su título del libro de Richard Rohr de 2025, The Tears of Things: Prophetic Wisdom for an Age of Outrage (Las lágrimas de las cosas: sabiduría profética para una era de indignación). Es una conversación imaginaria entre Miguel Ángel y su estatua, David, que refleja el conflicto en curso entre Israel y Gaza. “Si ponés a un hombre en una jaula y la sacudís el tiempo suficiente”, canta Bono, “un hombre se convierte en la clase de ira que no se puede encerrar… Las lágrimas de las cosas, que el desierto se descongele”. En la entrevista de la revista Propaganda, Bono afirma que la banda se ha acercado a Richard Rohr y encuentra un profundo significado en sus escritos. “Es un místico, un pensador profundo”, afirma Bono. “[Su libro] sugiere que los más grandes profetas judíos encontraron la manera de superar su rabia y su ira ante las injusticias de su época, hasta que terminaron en lágrimas”. - La brillante “Song Of the Future” (“Canción del Futuro”) es un homenaje a la iraní Sarina Esmailzadeh, de 16 años, quien fue asesinada a golpes por las fuerzas de seguridad iraníes tras participar en el movimiento Mujeres, Vida, Libertad 2022. “Aquí, de nuevo, tenemos una clase sacerdotal de hombres cuya interpretación subjetiva del texto sagrado se convierte en un garrote para golpear en la cabeza a cualquiera que discrepe”, dice Bono. “Todos recreamos a Dios a nuestra propia imagen hasta cierto punto, pero lamentablemente, es mucho más probable que creemos un Dios de fuego y azufre que un Dios de ‘amor y misericordia’, como dijo Brian Wilson”. - “Wildpeace” es un poema del poeta israelí Yehuda Amichai leído por la artista nigeriana Adeola Fayehun, con música compuesta y arreglada por el productor Jacknife Lee. “Me cuesta escuchar la voz de [Fayehun]”, dice Bono. “Me conmueve profundamente y, de alguna manera, evoca otros conflictos en el continente africano con solo el brillo de su voz dolorosamente hermosa… Sudán, Dios muerto”. “One Life at a Time” se inspiró en el documental ganador del Óscar en 2025, No Other Land. La escribieron para el palestino Awdah Hathaleen, consultor de la película, quien fue asesinado en su aldea de Cisjordania por un colono israelí. El título de la canción proviene de una frase que Basel Adra, cineasta de No Other Land, pronunció en su funeral. “One Life at a Time es una especie de sugerencia existencial”, dice Bono. “Podemos cambiar el mundo para bien o para mal… una vida a la vez”. - Days of Ash concluye con “Yours Eternally”, que cuenta con las colaboraciones de Ed Sheeran y el cantante ucraniano Taras Topolia, a quien Edge y Bono conocieron cuando viajaron a Ucrania poco después de la invasión rusa. La letra comienza como una carta dirigida a él. “Cuando le contamos [a Ed Sheeran] sobre esta canción en forma de carta, preguntándonos si él podría ser la voz que respondiera a la carta, aceptó sin dudarlo, pero con una salvedad”, dice Bono. “[Dijo]: ‘Me encanta la canción, me encanta Ucrania. Pero preferiría no involucrarme en ninguna polémica política ahora mismo… No me vas a involucrar en política, ¿verdad?’. ‘No, claro que no, Ed’. Puede que estuviera fanfarroneando”. - Las canciones están producidas por Jacknife Lee, colaborador habitual de la banda. “¿Quién necesita escuchar un nuevo disco nuestro?”, pregunta el baterista de U2, Larry Mullen Jr., en un comunicado. Depende de si estamos haciendo música que creemos que merece ser escuchada. Creo que estas nuevas canciones están a la altura de nuestro mejor trabajo. Hablamos mucho sobre cuándo lanzar nuevas canciones. No siempre se sabe... tal como está el mundo ahora, parece el momento adecuado. Desde nuestros inicios, trabajando con Amnistía o Greenpeace, nunca hemos dudado en posicionarnos, y a veces eso puede ser un poco problemático; siempre hay alguna reacción negativa, pero es una parte importante de quiénes somos y por qué seguimos existiendo.” En mi opinión, una de las mejores cosas que tiene U2 para sus fans, y una de las que más molesta a sus detractores, es que U2 es subjetivo. U2 tiene opinión. Podemos estar de acuerdo o no, pero U2 jamás te resulta indiferente. Este es un trabajo que tiene una carga política fuerte, incluso para una de las bandas más involucradas políticamente de la historia de la música. Tanto líricamente, como musicalmente recuerdan a su trabajo en War. Desde los bajos casi disco de Adam, la guitarra punzante de Edge, algunos ritmos marciales de Larry y las letras llenas de imaginería religiosa de Bono. En todo caso, U2 volvió con una declaración de guerra. Y eso es bienvenido. Y es que, después de todo este tiempo, dos corazones siguen latiendo como uno.

Dos Canciones de Ryan Davis y Destroyer

Feliz cumpleaños, Radio Belcha. Feliz cumpleaños a Rodrigo Alonso que es el creador y alma mater de esta preciosa locura. Feliz cumpleaños a todos los compañeros de Belcha, que nos enriquecen tanto con su saber como con su preciada amistad. Y, por sobre todo, feliz cumpleaños a ustedes oyentes que nos acompañan todos los días escuchando y comentando, formando una comunidad que es lo mejor y más lindo de todo esto. Como habrán notado, los distintos programadores de Belcha estamos haciendo algunos especiales para celebrar este quinto aniversario. La idea fue elegir canciones de los últimos 5 años, pero yo decidí concentrarlo aún más, por lo que escogí dos largas y meditabundas canciones del 2025. Mi primer pensamiento al escuchar "New Threats From the Soul" fue: ¿Y esto? La canción principal del segundo álbum de Ryan Davis & the Roadhouse Band es una pieza musical clásica, pero de una duración inesperada. De todas formas, olvídense de lo genial que suena esta canción por un momento. Tenemos que hablar de la escritura de Davis. Sería una tontería hacer algo más que sostener cada frase a la luz de su cercanía. Hay toda una lección que aprender aquí, ya que el compositor criado en Louisville toma el ritmo ruidoso de Jerry Jeff Walker, la devastación literaria de David Berman y el encanto excéntrico de un verso de John Prine y los mezcla encantándonos en un recitado potente y ebrio de cierta extrañeza. El diablo también está en los detalles, por supuesto, en idiomas inesperadamente entretejidos entre sí. "Yo era una flor de cactus, tenía el zumbido del Heisman", canta Davis. Es una competencia entre el hombre que es y el que era. Las cosas dulces saben amargas, pero contra viento y marea se alzan, más allá de las desviaciones. Con Catherine Irwin de Freakwater cantando en armonía, "New Threats From the Soul" es un refugio para el alma errante y golpeada. El estribillo que reza "Pensé que podría mejorar mi vida con chicle y madera a la deriva" y esos acordes de saxofón y flauta señalan la única dirección en que me gustaría ir. - Destroyer es algo especial. Mi crisis existencial inicial por la canción "Bologna” por fin se había disipado, y mientras sigo lamiéndome las heridas de "Aquaplaning Off the Edge of the World", vuelven y nos dejan "Cataract Time". En serio, ¿cómo se supone que alguien va a salir ileso cuando los primeros versos de la canción son "Estás harto de ganar partidos / Llevas demasiado tiempo en la carretera / Te has salido de la ilusión / Tomas el camino más largo a un sol poniente"? Dan Bejar canta como si te leyera tu subconsciente palabra por palabra (o quizá solo lo estoy proyectando). Una clase magistral en la creación de una especie de impresionismo indie mitad devastador, mitad hermoso, "Cataract Time" es una sorprendente obra de 8 minutos que encuentra a Bejar como un vagabundo poético completo, deambulando por un ritmo de batería espacioso y meditativo que recoge fragmentos de saxo, arpa, sintetizador y guitarra eléctrica en su camino, creando un monólogo interior musical que flota ingrávido a través del tiempo, lucha contra la ilusión desenfrenada del control y se esconde en esa devastada Tierra de Nadie entre la claridad y la confusión. Así se va terminando este pequeño especial de Punto Muerto. Déjenme agradecerles una vez más a todos los que escuchan, tanto a los que comentan como los que lo hacen en silencio. No saben, no tienen idea lo que significa para cada uno de los integrantes de Belcha que ustedes estén ahí. Sea para halagarnos, para hacernos un chiste o una crítica; que se tomen un tiempo para prestarnos sus oídos y sus conceptos, significa muchísimo para todos nosotros. Los queremos mucho.

Pink Floyd - Live at Pompeii

Desde los quince años, siempre he tenido una conexión especial con Pink Floyd. Admito que en parte se debía a que intentaba ser diferente a mi familia. A mi padre nunca le gustó el rock, y yo siempre me esforzaba por hacer cosas que a él no le gustaban. Pero era más profundo que eso. Estos muchachos eran emotivos. Eran raros. Una canción empezaba de una manera y terminaba de otra muy distinta. Les gustaban las drogas raras. Las portadas de sus discos eran raras. Tenían canciones largas. Larguísimas. Sus tendencias cautivaron mi imaginación, y los escuchaba religiosamente en mi walkman fuese adonde fuese. Se convirtió en un ritual diario durante un buen tiempo. Pero nada me preparó para un VHS que me regaló un amigo cuando estaba en el liceo. No, no era The Wall. Era Live At Pompeii. A simple vista, el concepto de Live at Pompeii también es un poco extraño. El grupo dijo que estaban hartos de ver vídeos de bandas de rock tocando, con cortes mostrando las reacciones del público y luego de vuelta a la banda. La idea les parecía exagerada, y Floyd quería hacer algo diferente. Y así lo hicieron. - Pink Floyd viajó a Pompeya, Italia, un pueblo que había sido diezmado por un volcán hace un par de milenios. La gente no pudo escapar de la erupción y se conservó entre las cenizas, representando para siempre las tareas de la vida cotidiana, como monumentos grises en un museo para el futuro. La banda instaló todo su equipo en un anfiteatro para tocar solo para el equipo de grabación y el público de la película. El concierto comienza con una de las mejores y más apropiadas piezas del arsenal de la banda para este evento único: "Echoes". Una excursión de rock progresivo de 22 minutos, originalmente publicada en el álbum Meddle, que se divide en dos partes claramente diferenciadas. La primera parte termina con la "jam", donde Gilmour solea alocadamente con su guitarra sobre uno de los acompañamientos más geniales y funky de la historia de la humanidad. La segunda parte, al final de la película, retoma el sonido de las ballenas. Estas dos "partes" enmarcan todo el concierto. “Echoes: Parte 1” comienza con el familiar "ding" que llegamos a apreciar y respetar. A medida que la canción continúa, vemos la galaxia comenzando en Plutón y acercándose gradualmente a la Tierra. Desde allí, tras más imágenes espaciales, descendemos al anfiteatro donde toca Pink Floyd. Las antiguas imágenes generadas por computadora han envejecido, pero me gusta lo que Floyd intenta hacer. Mostrar reverencia por su lugar en el universo y cómo son una pequeña parte de algo mucho más grande y cósmico. Durante este tiempo, también experimentamos destellos de diferentes imágenes de Pompeya. Vemos los charcos burbujeantes de un volcán inactivo, las imágenes de los muertos, los templos y otras reliquias del pasado. Retrocedemos al anfiteatro para ver a Roger Waters y Gilmour cantando la letra, y nosotros, como público, podemos sumergirnos en la música. Sin embargo, mientras miramos, ocurre algo extraño. Retrocedemos a un estudio en blanco y negro. Vemos a Gilmour fallar en una línea, a pesar de que el audio claramente lo muestra perfectamente. En este punto, uno se da cuenta de que se trata de una versión del director, con características especiales de la grabación del álbum de estudio Meddle y del siguiente… un tal Dark Side of the Moon. Aquí es cuando la película revela el doble golpe de lo que verás. Obtendrás un catálogo de algunas canciones interesantes y menos tocadas de Pink Floyd para el "concierto", pero también podrás ver a la banda fuera del escenario, en su mejor momento, creando una de las mayores obras maestras del rock clásico. - Como se mencionó anteriormente, la obra maestra "Echoes" en dos partes cierra el concierto. Entre esto, tenemos una fantástica selección de temas, principalmente de "A Saucerful of Secrets" y "Meddle". Todas las piezas reflejan a la perfección la atmósfera melancólica y oscura de Pompeya. “Careful with That Axe, Eugene” es un tema tan emotivo que se escucha mucho mejor en película. Es una canción con la que nunca me identifiqué del todo en el disco, pero verla con Roger Waters gritando contra la lava volcánica en erupción... ¡Es sublime! “A Saucerful of Secrets” es tan caótica. Esto hace que funcione bien para ser “en vivo”. Ver a todos los músicos de la banda manipular sus instrumentos mientras el baterista Nick Mason toca un ritmo consistente y potente se convierte en un espectáculo emocionante. A medida que continúa sin parar, tenemos a Waters tocando un gong y a Gilmour sentado en el suelo, haciendo sonidos espaciales con su guitarra. Continúa ascendiendo cada vez más hacia el sinsentido hasta que finalmente estalla en un crescendo y se desvanece. Ver las pistas de estudio de la banda grabando Dark Side es fascinante. Ves a la banda resolviendo un problema, como Waters intentando descifrar el curso de "On the Run", girando las perillas de su sintetizador, probando diferentes notas, y cuando lo consigue, sentimos una auténtica catarsis. Ver a músicos talentosos resolver estos problemas es como ver a artesanos construir una casa. Su arte se basa en una experiencia e inteligencia que rara vez vemos en una película. Esta temática continúa en los otros dos temas del set: "Us and Them", donde escuchamos a Wright (tecladista) y a Waters hablar sobre cómo debería sonar la parte de piano, y en "Brain Damage", donde el sonido de la guitarra está magistralmente creado. "One of these Days" es probablemente el tema más duro que Pink Floyd ha "hecho". Es una canción potente, donde Nick Mason aporta una energía inesperada a la batería, mientras sentimos una oleada de ira subyacente explotar desde la guitarra y el bajo, solo para ser coronada por el gruñido de las palabras "Un día de estos, te voy a cortar en pedacitos". Suena como un monstruo saliendo del armario, pero de alguna manera suena más tonto y escalofriante a la vez. "Mademoiselle Nobs" es una canción única, que presenta una reinvención de la canción "Seamus" de Meddle, un blues con la voz de un perro aullando. La canción es divertida, pero cuando la vi, no pude evitar preguntarme si el perro estaría bien. No digo que Waters fuera abusivo, pero está sujetando al perro. Sin embargo, el perro se levanta después de un rato, se sacude y da brincos, así que creo que podría ser una diva. No tengo mucho que decir sobre “Set the Controls for the Heart of the Sun” excepto que es otra maravillosa pieza melancólica para el conjunto y conduce brillantemente a “Echoes Part 2” para cerrar el set. - Pompeya encaja a la perfección con la música del repertorio de Pink Floyd. Vemos escenas de la banda caminando entre la ceniza, los charcos burbujeantes y la lava en explosión. Esto se entrecruza con grandes estatuas romanas, restos humanos preservados y pinturas serias y espeluznantes. Hay una presencia fantasmal en las piezas que se reflejan en las imágenes. Al no haber público viendo en directo ni imágenes espaciales incluidas, nosotros, como público, nos sentimos pequeños. Como si estuviéramos presenciando otro tiempo, otro espacio que nunca comprenderemos del todo. Ver esto en 2025 cobra aún más significado con el paso de los años. Pienso mucho en la temática del tiempo de Dark Side of the Moon y en cómo solo tenemos una parte. Cómo las cosas se desvanecen sin que nos demos cuenta. El momento también puede ser perfecto, como el estreno de esta película justo momentos antes de que la banda lance un álbum que cambiaría la cara de la música para siempre. A través de Pompeya, nos sentimos como las personas preservadas en cenizas. Como ellos, estamos inmersos en un momento, como la banda, como el universo sigue existiendo, y podemos revivir ese momento una y otra vez a través de la magia del cine. Es una superposición temática verdaderamente hermosa. Ya sea totalmente intencional o incluso parcialmente involuntaria, funciona, y eso es mucho decir cuando hablamos de una película en vivo sin público. - Parte del encanto de esta película reside en las entrevistas entre las piezas. Ver a la banda discutiendo, bajo el efecto de las drogas, sobre si las ostras trascienden las barreras nacionales, a Nick Mason pidiendo tarta de manzana y a Gilmour diciendo que se puede "confiar en ellos" y que no consumen tantas drogas como se cree, todo ello le añade gracia y personalidad a la banda. No se han visto tantas charlas ni entrevistas con esta banda, así que ver un "día en su vida" es refrescante y agradable, la cereza del postre. Creo que el director las intercala cuando es oportuno. Y aunque el foco principal es la música, encuentro que cuando aparecen estas escenas, son divertidas y memorables. Tanto si sos un gran fan de Floyd como si nunca los escuchaste, vale la pena ver esta película. Se ha reeditado en Blu-ray y es uno de mis DVD musicales más escuchados. Y es que hay una reverencia irreprochable en la forma en que Pink Floyd toca para los fantasmas de Pompeya. Aunque no hay público en vivo, si miramos a los ojos de las estatuas, casi podemos sentir que nos escuchan. O en cualquier caso, nos vemos en el lado oscuro de la luna.